Термины — И: импрессионизм, интерьер. Стиль импрессионизм в интерьере

Импрессионизм

История возникновения Импрессионизма:

Импрессионизм (фр.impressionisme, от impression – впечатление) – художественное направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине XIX в.

Новое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О.Руда в области цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных тюбиков для скоропортящихся красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры.

Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся с нерегулярными интервалами с 1874 по 1886 гг. С первой выставкой тогда еще анонимной группы художников связана история происхождения термина «импрессионизм». Критик Луи Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину К.Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), заметив, что «обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…». Новое название пришлось по душе сторонникам движения (правда, не всем), поскольку отвечало творческому методу, который они исповедовали: передача впечатления, фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. Однако, как живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: аналогичные поиски велись мастерами других стран – Англии (Дж. Уинстлер), Германии ( М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь и К.Коровин).

Особенности Импрессионизма:

Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

Мастера Импрессионизма:

 Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт и другие.

Примеры работ художников-импрессионистов:

Федерико Дзандоменеги,Площадь Анвер.

Пьер Огюст Ренуар.Бал в ле Мулен де ла Галетт,1876.

Жан-Франсуа Рафаэлли.Пьющие абсент,1881 г.

Жан Фредерик Базиль,В кругу семьи,1867.

Клод Моне.Впечатление. Восходящее солнце,1872.

v.sokolovsky.com.ua

Стиль импрессионизм

Импрессионизм в переводе на русский обозначает впечатление. Отображение действительности через впечатления художника. Это не экспрессионизм, где в большой степени отражаются чувства и мысли. В импрессионизме основным является, все-таки, действительность, прошедшая  через призму восприятия ее автором.

В картинах импрессионистов видно стремление запечатлеть текущий момент, не упустить мимолетное. Искусство импрессионистов можно сравнить, по идеологии, с фотографией, которая также запечатлевает короткий отрезок времени – текущий момент. Недаром первая выставка импрессионистов состоялась в мастерской парижского фотографа Недара.

Если присмотреться к картинам импрессионистам, то обращает внимание один интересный момент – техника многих картин такова, что Вы не может оценить картину, рассматривая ее вблизи. Чтобы увидеть то, что на ней изображено, нужно отойти на некоторое расстояние и тогда Вам откроется момент жизни, запечатленный художником. Такой эффект достигается особой техникой живописи – «вибрирующий мазок». Картины как бы собраны из отдельных мазков и только расстояние позволяет увидеть все. Как и в жизни, Вы не всегда можете оценить значимость момента, и его смысл становится понятен, только после того, как пройдет какое-то время. Еще Делакруа пытался запечатлеть движение с помощью мазка, а импрессионисты развили и довели до совершенства  эту технику. Этот стиль придает картинам динамизм и некоторую незаконченность. Но эта незаконченность не техническая, а именно отражение момента, выхваченного из ткани мира. На картине все в движении и кажется, что через мгновение все изменится. Еще одна особенность стиля импрессионизм – это композиция. Заимствованная у японских мастеров живописи ассиметричность или наклон  также придают произведениям импрессионистов видимость движения.

Стиль импрессионизм в нашем сознании ассоциируется, в первую очередь, с Францией. И не случайно, что наиболее известные мастера были Французами – Мане, Дега, Ренуар, Писсаро. Все это великие имена,  произведения которых являются всемирным достоянием.

История стиля импрессионизм

Клод Мане - Завтрак на траве

Впервые об импрессионизме, как о стиле, заговорили после, прошедшем в Париже в 1863 году «Салоне отверженных». На этой выставке были представлены работы художников, отвергнутых жюри «Парижского салона». Среди множества картин, внимание публики привлекла работа Мане «Завтрак на траве». Картина спровоцировала скандал и принесла художник известность и популярность. Именно в этой картине впервые проявился «фотографический» стиль, ставший впоследствии одной из особенностей импрессионистов, а также знаменитый «мазок».

15 мая 1874 в мастерской фотографа Недара прошла выставка уже 30 художников импрессионистов. Было выставлено более сотни картин. На этой выставке была представлена картина Клода Мане под названием «Впечатление. Восходящее солнце».

Клод Мане - Впечатление. Восходящее солнце

Популярный парижский журналист Лую Леруа забрел на эту выставку группы художников, которая носила длинное название «Анонимное товарищество артистов, живописцев, художников, скульпторов, графиков и проч.» и решил высмеять новое искусство в своем фельетоне, который вышел под названием "Выставка импрессионистов". Для нас это название ничего не говорит, но на французском языке это звучало забавно «Выставка впечатлителей», если перевести дословно. Именно картина Мане дала  Леруа название всего направления. Результат был, скорее всего, неожиданным для журналиста. Его статья подарила название новому направлению, которое закрепилось за стилем.

- Впечатление? Чертовски забавное впечатление! О… а это?

Можно было сказать, что новое направление в искусстве было сформировано. Именно с этой выставки началось победное шествие импрессионизма по миру.

Попытка остановить момент является и сильной стороной стиля, но и его слабостью. Импрессионисты в своих произведениях не пытаются осмыслить суть вещей, отразить их во всем многообразии, а лишь фиксируют текущее состояние, которое может быть ярким, запоминающимся, но проходящим. Иногда создается впечатление – то, что отражено на картине через мгновение изменится и приобретет совсем другое значение. Это и стало одной из причин кризиса импрессионизма и отходом многих художников от этого стиля. Поль Гоген, Ван Гог стали родоначальниками стиля, который условно называют постимпрессионизмом. Они в своих картинах попытались уйти от фиксации текущего момента и перейти к более полному и объемному отображению мира. Если мы посмотрим на их картины, то это уже не минута, а если говорить образно – год, десятилетия. Таковы картины Ван Гога из его Таитянского цикла.

[associated_posts]

stylemyhouse.ru

Стили 20 века: Импрессионизм, Экспрессионизм, Кубизм

Прикладное искусство и архитектура с начала века развивались постепенно, но при этом стабильно. А вот изобразительное искусство пережило в те времена полосу быстро изменяющих друг друга разнообразных "измов", их формализм оказывал дурное влияние и на искусство жилых интерьеров. Следует отметить лишь те стили, которые оказались тесно связанными с интерьерами и предметами мебели.

Импрессионизм - это своеобразное направление искусства последней трети XIX века - начала XX века. Это искусство было направлено на запечатление реального мира в его изменчивости и подвижности, а также на передачу мимолётных впечатлений с помощью света и цвета, динамичных линий и мазков.

Экспрессионизм – одно из самых крупных течений художественного искусства было рождено около 1905 года, но самый расцвет этого направления пришёлся на период Первой мировой войны, а также послевоенное время. Субъективные и идеалистические установки направления экспрессионизм, привели к напряженности эмоций, иррациональности образов, гротескной изломанности, а также своеобразной деформации мира. Многие представители этого направления встали на путь изготовления крайне абстрактных предметов мебели. В предметах мебели делали неудачные попытки сделать её более современной, для этого вносили формальные элементы этого направления.

Кубизм - его появление в 1910 году совпало с созданием первых построек архитектуры в духе конструктивизм. Аналитический кубизм стал очередным последовательным шагом к искусству абстракции. Чистота цветов и красивая сочетаемость пятен и линий делали композиции своеобразно декоративными, поэтому популярность кубизма захватила и элементы архитектуры, и прикладное искусство.

Подражание популярным направлениям в изобразительном искусстве отражалось, как правило, на внешних, декоративных сторонах предметов мебели. А в некоторых случаях на неожиданные, экспрессивные эффекты рассчитывали и саму форму.

Становление направлений в 20 веке

Стоит отметить, что вместе с новыми тенденциями в стилях всё ещё существовали и старые формы, как правило, эти формы были модернизированы так, что теряли свою былую красоту и оригинальность. В декоративных предметах мебели поиски чего-то нового шли путём адаптации форм старых стилей или создания предметов мебели, которые были бы более современные по орнаменту.

Потребности в большом количестве предметов мебели и в механизации мебельного производства в XX веке привели к упрощению некоторых отдельных форм составляющих элементов мебели, но при этом одновременно произошло усложнение их общей формы, с учётом стремления к большей оригинальности. Мебельную продукцию начали чётко разделять на единичную и массовую. Также использовали ручную обработку отдельных деталей мебели. Дизайны в стиле модерн, который господствовал в 20-е года, ориентировались исключительно на создание более новых форм, при этом полностью игнорируя приёмы предыдущих стилей и игнорируя такой важный элемент, как декорирование. В принципе этот стиль во многом был создан под влиянием таких течений искусства, как конструктивизм и кубизм. Современная мебель (модульная и блочная) во многом обязана «кубическому» течению этого направления, а вот разнообразные конструкции нынешних предметов мебели для отдыха и работы взяли своё идейное начало в «конструктивизме».

Каждые изгибы мебельных конструкций, каждые прямые линии или углы должны были быть, оправданы в первую очередь функционально, а не эстетически.Красота мебельных форм отображалась в подчеркнутости конструкции изделий, в их логичности и экономичности. Для этого широко применяли более устойчивые к нагрузкам и пластичные материалы (металлы и пластики), по сравнению с традиционной древесиной. А в качестве спинок, сидений у кресел и стульев предлагали растянутые плотные ткани или кожу, которые натягивали между опорными конструкциями.

1917 год стал началом активной деятельности Корбюзье. Эта деятельность была направлена на решение проблем рациональных конструкций жилья. А в 1922 году он издал книгу "Архитектура будущего", впоследствии эта книга оказала большое влияние на последующие шаги в развитии архитектурной мысли во всём мире. Опубликованный им тезис "дома - это машины для жилья" предполагал эстетику и техническое совершенство жилищных помещений, но получил с годами ложное толкование.

С 1919 года до 1921 года Мис ван дер Роэ разрабатывал проекты небоскрёбов из стали и стекла. Его строения – немецкий павильон, выставленный на Всемирной выставке Барселоны, и особенно жилой дом Тугендхат из Брно явились важными примерами для будущей архитектуры. В последнем примере был внедрён принцип плавного взаимопроникновения внутреннего и внешнего пространства. Интерьер был сделан как одно помещение с перетекающим пространством, без изолированных комнат, как было принято ранее. Принципа чистоты форм, свободных от чужеродных элементов декора, Роэ старался придерживаться и при проектировке предметов мебели. Именно им были разработаны стулья простых конструкций из металлических трубок.

Развитие форм предметов мебели и их главные особенности

Важным этапом стал период послевоенного развития прикладного искусства и был он тесно связан с деятельностью заведения "Баухауза". Организатор «Баухауза» Гропиус в первую очередь ставил основную цель, создания это заведения, эта цель была «преодоление пропасти, которая лежала между идеализмом и реальностью». "Баухауз" объединял в себе производственные мастерские помещения и помещения учебного заведения. В этом заведении разрабатывались бытовые вещи для повседневного пользования, при этом с учётом достижений, как техники, так и искусства. Формообразования вещей увязывались с индивидуальными технологиями, новейшими материалами и конструкциями.

Для ранних работ предметов мебели "Баухауза" являются характерными такие черты как сухость линий, а также увлечение конструкцией, что является не очень совместимым с понятием про уют. Студент Брьойер, в 1922 году разработал кресло в стиле конструктивизм, которое было принципиально близкое к некоему «аппарату для сидения». В 1926 году он изготовил кресло из металлических трубок, которое получило международную популярность и известность, а через год изготовил модели стульев и столов для компании "Тонет", которые отвечали необходимым требованиям для массового производства предметов мебели.

В период между Первой и Второй мировой войной ведущими мебельщиками стали венские мастера. Они создавали лёгкие, удобные, элегантные в использовании образцы предметов мебели. Тона задавались двумя крупными предприятиями – «Хауз и гартен» и "Венские мастерские". Второе старалось держать курс на современность, и только иногда делали уступки изменившемуся декору. А вот проектировщики предприятия «Хауз и гартен» требования современности очень успешно сочетали с наилучшими традициями английских школ.

После 1945 года предметы мебели развивались в связи с архитектурой. Предметам мебели отводилась роль одного из составляющих компонентов предметной и пространственной среды, а количество предметов мебели сводилось к минимуму. Секционными изделиями были вытеснены старые гарнитуры. Принципы целесообразности реализовались рациональным использованием внутренних пространств, то есть мебели – хранилищ. А в предметах мебели для сидения – значительным повышением удобства. Всё большее и большее количество мебельных проектов изначально ориентировали на серийное производство.

Всё большее распространение получили предметы мебели из унифицированных элементов. Эти предметы мебели выпускали в разобранном виде и собирали уже на дому у заказчика. А для общественных строений выпускались стулья, которые вкладывались друг в друга.

Очень стремительное обновление форм предметов мебели повлекло за собой изменение самой технологии, появление новых материалов, а также перемены в жизненных укладах и сопровождающих их эстетических представлениях.

Например, в западных странах для производства мебели регулярно использовали такой материал, как металлические трубы. На основе металлических труб создавали как сложные опорные изделия, кстати, часто они были конструктивно не оправданными, так и крайне упрощённые опорные изделия.

При изготовлении мягкой мебели всё чаще стали применять синтетические настилочные материалы, эти материалы позволяли придавать мягким элементам любые формы. А жесткие полимеры были пригодными для изготовления целых каркасов.

Нарушение принципов простой рациональной формы привело к той или другой разновидности формализма. Одним из проявлений формализма было увлечение обтекаемыми формами, которые были позаимствованы от скоростных самолётов и автомобилей.

На протяжении XX века в производстве предметов бытовой мебели устойчиво наблюдаются три направления стиля. Условно их можно назвать стилем художественно-конструкторским, а также авангардистским и стилизаторским.

Художественно-конструкторский стиль и стилизаторский стиль мебели на сегодняшний день широко представляются среди ассортимента предметов мебели отечественного и зарубежного производства. Образцы авангардистского стиля появляются в продаже, к сожалению редко. Ознакомиться с ними, можно на международных ярмарках и выставках.Очень важно отметить, что на сегодняшний день большую часть рыночного ассортимента разнообразной продукции, составляют предметы мебели «смешанного» типа, даже можно сказать эклектичного типа. Мебель эта создаётся в основном по принципам художественно-конструкторских направлений, но при этом украшается какими-либо декорациями. Такая экономная стилизация, как правило, характерна для мебельных «стенок», кроватей, столов отечественного производства. Проявляется эта экономичность также в применение тканей для обивки стульев и мягкой мебели, обычно эти ткани имеют растительно-узорчатый рапорт. Если говорить о художественном достоинстве такой мебели, то оно обычно весьма сомнительное и даже курьезное, подобно тому, что получается, если женщине в строгом деловом наряде надеть на голову шляпу с бантами и розами.

ecosrub.com

Импрессионизм — стиль в изобразительном искусстве и его особенности | DesigNonstop

Импрессионизм — стиль в изобразительном искусстве и его особенности

5

Для меня стиль импрессионизм это прежде всего что-то воздушное, эфемерное, неумолимо ускользающее. Это то потрясающее мгновение, которое глаз едва успевает зафиксировать и которое потом надолго остается в памяти как миг наивысшей гармонии. Мастера импрессионизма славились именно умением с легкостью перенести этот момент прекрасного на холст, наделив его осязаемыми ощущениями и тонкими вибрациями, которые со всей реальностью возникают при взаимодействии с картиной. Когда смотришь работы выдающихся художников этого стиля всегда остается некое послевкусие настроения.

  

Импрессионизм (от impression — впечатление) — это направление в искусстве, зародившееся во Франции в конце 1860-х годов. Его представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Особое внимание уделялось передаче цвета и света.

  

Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Моне Впечатление. Восход солнца, представленной на выставке 1874 года. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье обозвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Однако, название прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

  

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», отсутствии вкуса и смысла в их работах, «покушении на истинное искусство», мятежных настроениях и даже аморальности.

  

Ведущие представители импрессионизма – Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и Эдгар Дега. К импрессионистам также причисляют Джеймса Уистлера, Хоакина Соролья, Константина Коровина.

  

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

  

Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

  

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым.

  

Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

  

Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это сплошная череда маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении.

  

Импрессионизм оставил богатое наследие в живописи. В первую очередь это интерес к проблемам цвета и нестандартным техникам. Импрессионизм выразил стремление к обновлению художественного языка и разрыву с традицией, как протесту против кропотливой техники мастеров классической школы. Ну а мы с вами можем сейчас любоваться этими великолепными произведениями выдающихся художников.

Оцените, пожалуйста, статью!

1. 5
2. 4
3. 3
4. 2
5. 1

(2 голоса, в среднем: 5 из 5)

www.designonstop.com

Выставка "Импрессионизм и мода" в музее Орсэ

В музее Орсэ в Париже проходит выставка «Импрессионизм и мода» - совместный проект нью-йоркского Метрополитена, чикагского Института искусств и музея Орсэ. Основная идея выставки исключительно проста - соединить воедино двепопулярнейшие темы, результат блестящ - очереди в кассу и толпы перед витринами.

Выставка действительно получилась исключительно интересной: во-первых, в нескольких залах можно полюбоваться наизвестные и не очень известные полотна, собранные из разных европейских и американских музеев, во-вторых, можно увидеть великолепно сохранившиеся наряды и аксессуары второй половины ХIХ в., практически идентичные тем,что изображены на картинах, многие из них из частных коллекций, то есть обычно недоступные зрителю, в-третьих, залы и отдельные экспонаты сопровождаются подробными информационными стендами, где приводится не только сведения о самих экспонатах, но и высказывания современников о моде. На выставке представлены более 80 экспонатов (живописные полотна, предметы гардероба, модные аксессуары, фотографии, модные журналы), охватывающих три десятилетия -  с конца 1850-х  до конца 1880-х годов.

1. Пьер Огюст Ренуар. Портрет мадм Шарпантье с детьми, 1878, Нью-Йорк, Метрополитен

Маргарита Шарпантье, жена известного издателя Жоржа Шарпантье, дружившая со многимизнаменитыми художниками и писателями, предстает в образе почтенной матроны и матери семействав своем салоне, обставленном в модном японском стиле. На диване рядом с матерью сидит еесын Поль, одетый девочкой, на лежащей собаке устроилась дочь Жоржетта. Дети одеты в одинаковыешелковые платья с плиссерованными юбочками и шитьем, шелковые ажурные носочки и туфельки с розетками.На матери - черное шелковое дневное платье с кружевной отделкой. Черный цвет подчеркивает благородствои изысканность дамы.

2. Дневной туалет из черного шелка, ок. 1877, похожий на тот, в котороммадам Шарпантье принимала гостей в своем салоне.

Выставка выходит за пределы живописи и истории моды - она затрагивает социологические и гендерные аспекты,  заставляя задумываться не только о том, какой была мода, как ее видели художники, но и о значении и восприятии моды в контексте социума того времени.

Во второй половине ХIХ в. французская мода перестает быть монополией аристократии; модно одетой можеть быть не только состоятельная дама, но и любая женщина, умеющая шить и обладющая вкусом. Популяризация моды осуществляется в значительной мере благодаря многочисленным иллюстрированным модным журналам, публикующим фасоны и выкройки, что позволяет женщинам и девушкам со скромными доходами шить себе платья и подбирать аксессуары в духе  современных модных направлениий. Среди редакторов и художников этих журналов, тоже, кстати, были женщины. Немалую роль в демократизации моды играет и возникновение крупных магазинов одежды, где можно приобрести полуфабрикат платья, а затем подогнать его и украсить лентами, кружевами, оборками по своему усмотрению и вкусу.В это же время формируется образ Парижанки, который вдохновляет импрессионистов и одновременно возводится импрессионистами, журналистами и писателями в архетип, становясь основой популярных представлений о жительницах Парижа. Две цитаты того времени как нельзя лучше отражают суть данного образа. Одна из них принадлежит Арсену Юссе (Arsène Houssaye), журналисту, литературному критику и писателю: „La Parisienne n'est pas à la mode, elle est la mode.“ (Парижанка не следует моде, она сама - мода), другая - главному редактору журнала La Mode illustrée Эммелине Рэмо (Emmeline Raymond) : „Sans doute les Parisiennes sont femmes, mais elles sont plus femmes que toutes les autres femmes.“ (Несомненно, парижанки - женщины, но они более женщины, чем все остальные женщины). Парижанка, таким образом, это не только богатая дама, одетая в платье Чарльза Ворта, основателя высокой моды, но и любая портниха, швея, работница, служанка, которая умела удачно соединить фасон, ткань, ленточки, кружева, шляпку, зонтик и цветы, выбрать подходящее движение, жест, взгляд, вовремя надеть или снять перчатку или подобрать юбки, показывая башмачок. Парижанка - это непрерывное движение, изменение, творчество, переливы света на ткани, и это как нельзя лучше могли почувствовать и передать имрессионисты. Немалая роль в создании новых модных направлений принадлежала дамам полусвета, которые умело использовали одежду и аксессуары в искусстве соблазнения. Законодательницами стиля становились также женщины-художницы, женщины-актрисы, женщины-музыканты, женщины, ведущие независимый, артистический образ жизни, среди них - Берта Моризо, Ева Гонсалес, Мэри Кассат, Нина де Каллиас, чьи работы или портреты тоже представлены на выставке. Женщина в данном контексте предстает как субъект моды, она ее создает, она о ней рефлексирует и она же ее отображает в живописи.

3. Эдуар Мане. Парижанка, 1875, Стокгольм, Национальный музей

Дама одета в черный шелковый городской костюм для променадаили визитов, на голове подобранная в тон высокая шляпка, руки в перчатках.

4. Страница из модного журнала La Toilette de Paris, апрель 1877

5. Пьер Огюст Ренуар. Парижанка, 1875, Кардиф, Национальный музей

6. Джеймс Тиссо. Октябрь, 1877, Монреаль, Музей изящных искусствИскусно подобранный шлейф и демонстрация башмачков -непринужденный жест кокетства.

7. Эдуар Мане. Молодая дама в 1866 г. или Женщина с попугаем, 1866 г., Нью-Йорк, Метрополитен

На картине изобажена натурщица Мане по имени Викторина Мерэ. Картина вызвала неоднозначныеотзывы современников в том числе из-за розового цвета пеньюара - появившиеся недавноанилиновые красители позволяют создавать непривычные ранее оттенки ткани.Пеньюар говорит об интимной обстановке, в которой изображена женщина, ависящей на шее монокль (предмет мужского обихода) и кокетливо приподнятый букетик фиалок намекаютна присутствие мужчины. Одно из толкований этой картины - аллегория пяти чуств: полуочищенный апельсинсимволизирует вкус, монокль - зрение, фиалки - обоняние, теплый шелк пеньюара - осязание, направленное в сторонупопугая ухо - слух.

8. Каролюс-Дюран. Дама с перчаткой, 1869, Париж, музей Орсэ

9. Джеймс Тиссо. Портрет, 1876, Лондон, Галерея Тэйт  10. Послеобеденный туалет, чехол из шелкового газа на основе из                                                                                                      голубого хлопка, шелковые ленты, ок. 1876

11. Альфред Стевенс. Ева Гонсалес за фортепьяно, 1879, Сарасота, Государственный музей Флориды

12. Эдуар Мане. Дама с веерами (Нина де Каллиас), 1873, Париж, Музей ОрсэНина де Каллиас, эксцентричная разведенная дама, держала салон и писала стихи, дружила с художникамии литераторами. На ней необычный костюм в марокканском стиле - шаровары и жилеткас вышивкой.

13. Берта Моризо. Две сестры, 1869, Вашингтон, Национальная галерея искусств

На картине изображены сама Берта и ее сестра Эдма, котороая тоже рисовала, но бросилаживопись после замужества. Сама Берта в 1874 году вышла замуж за брата Эдуара Мане.Их дочь Жюли, которую несколько раз писали Маре и Ренуар, стала художницей и коллекционером.

14. Летнее платье молодой девушки, около 1860, Муслин, рисунок в цветочек, кринолин.Платье напоминает туалеты, в которых позируют сестры Моризо.

15. Эдуар Мане. Читающая женщина, или Чтение журнала, 1879-1880, Чикаго, Институт искусств

Экспонаты размещены в залах согласно тематическим разделам: открывает выставку зал, знакомящий с модными тенденциями той эпохи, в которм выставлены платья из шелковой тафты, батиста и муслина, отделанные кружевом, бахромой, оборками, фотографии, модные журналы той эпохи, а также различные аксессуары - веера, туфельки, сумочки, флаконы духов. Завершает экспозицию первого зала один из гвоздей выставки: портрет мадам Бартоломэ в оранжерее, написанный ее мужем, Альбером Бартоломэ и то самое платье, в котором когда-то позировала эта дама. Мадам Бартоломэ, умершая в 38 лет, вскоре после написания портрета, изображена в бело-фиолетовом летнемплатье с рисунком в горох и в полосы. После ее смерти безутешный супруг сохранил платье на память, и теперь иплатье, и портрет хранятся в музее Орсэ.

16. Альбер Бартоломэ. В оранжерее или Мадам                  17. Летнее платье мадам Бартоломэ, 1880, Париж, музей ОрсэБартоломэ, около 1881, париж, музей Орсэ

Другие залы рассказывают о повседневной моде, моде «на выход», интимной моде, мужской моде, моде на пленэре. Отдельный уголок отдан шляпкам. Следует отметить удачный дизайн залов, выполненный под руководствомРобера Карсена, канадского оперного режиссера. Рядом с картинами в витринах выставлены платья, сходные изображенными на полотнах, что позволяет рассматривать и сравнивать детали и фактуру ткани. Пол зала, посвященного моде на пленэре, покрыт ковром, имитирующим газон, в зале звучит пение птиц. В одном из залов вдоль стен стоят бархатные театральные кресла, на спинках которых написаны имена богемных знаменитостей той эпохи.

Несмотря на демократичность моды, дресс-код был сторого регламентирован. Для определенных ситуаций и мероприятий предполагался определенный туалет - для дома, для прогулок, для приема гостей, для балов и торжественных вечерних выходов. Пеньюар (дезабилье) и нижнее белье были приемлемы только в интимной домашней обстановке, открытые руки и шея были дозволены только вечером на балу или в театре, хотя именно на полотнах импрессионистов можно нередко наблюдать нарушение данных правил. Дамы среднего класса переодевались около шести раз в день.

В период, представленный на выставке, происходит кардинальная смена силуэта женского платья - юбки на кринолинах, расширяющиеся колоколом вниз, достигают в эпоху третьей империи своих максимальных размеров, затем, к концу шестидесятых годов, силуэт начинает сужаться по бокам, и на смену кринолину приходит турнюр, то есть жесткий каркас, который, в отличие от кринолина, служащего основой для всей юбки, поддерживал только заднюю часть. Лиф становится длиннее, спускаясь вниз за линию талии, на юбке появляются верхние драпировки, складки, рюши, воланы или бахрома, а затем и шлейф. На рукавах также носятся длинные манжеты с кружевными воланами, складками, бахромой. При этом общие правила дресс-кода сохраняются - открытые руки и декольте возможны только вечером. Дневные туалеты для визитов, прогулок и приема гостей, в том числе и летние, могут быть только с длинным рукавом, юбка прикрывает обувь. На улице всякая уважающая себя дама не может появиться без головного убора и перчаток, но летом, на лоне природы, на картинах мы видим и женщин без перчаток. Зонтик - важнейший аксессуар, который присутствует на многих полотнах.  

18. Летний туалет, около 1866, муслиновый корсаж с шитьем,муслиновая юбка с вертикальным рисунком, пояс из зеленойшелковой тафты в тон рисунку юбки. Типичный силуэт 60-х годов -широкая юбка на кринолине, высокая талия.

19. Дневное летнее платье, около 1878-1879, хлопок в мелкий цветочек.Длинный корсаж, юбка прямая, снизу плиссерованная, с продольными складками.

20. Гюстав Кайботт. Мост Европы, 1876, Женева, Малый ДворецНа даме - городской костюм для променада с длиннмы корсажем, прямой юбкой и воланами.

21. Платье с полонезом, 1870-1872, муаровый шелк, бархатная лента

22. Дневной туалет, 1880-1883, черный шелк, кружево, юбка со шлейфоми с плиссерованным воланом

23. Послеобеденное платье, около 1880-1881, голубой шелк, отделка бахромой, юбка со шлейфом

24. Платье новобрачной, 1868, серый шелк, атласные ленты

25. Дневное летнее платье, 1869-1872

26. Камиль Коро. Дама в голубом, 1874, Париж, Лувр

В комментариях к картине данный туалет обозначен как "фантазийный". По изложеннымвыше причинам он, не будучи бальным нарядом, противоречит принятым представениямо дневном туалете, так как оставляет руки обнаженными.

27. Альфред Стевенс. Возвращение с бала, около 1867, Париж, музей Орсэ

Это бальное платье из желтой шелковой тафты имеет типичный для второйполовины шестидесятых покрой - прямое декольте, короткие рукава фонариком,короткий лиф, широкая юбка на кринолине с широкой нижней оборкой.

28.  Пьер Огюст Ренуар. Танец в городе, 1882-1883, Париж, музей Орсэ

Здесь мы видим совершенно иной покрой бального платья - V-образное декольте,рукава отсутствуют, прямая юбка с турнюром, драпировками и шлейфом.

29. Пьер Огюст Ренуар. Ложа, 1874, Лондон, Галерея Курто

Платья для театральных вечеров были, как правило, более закрытыми, чем бальные,хотя встречались и откровенные варианты (см. полотна ниже).

30. Мэри Кассат. В ложе, 1878, Бостон, Музей изящных искусств

31. Берта Моризо. Женщина в черном, или Перед театром, 1875, частная коллекция

32. Берта Моризо. Молодая женщина в бальном платье, 1876, Париж, музей Орсэ

33. Мэри Кассат. Дама в жемчужном ожерелье в ложе, 1879, Филадельфия, Музей искусств

В XIX в. женское белье включало нижнюю рубашку без рукавов или с коротким рукавом, на которуюнадевался атласный или сатиновый корсет, длинные панталоны с разрезом в шагу(исключение составляли панталоны танцовщиц канкана, которые были закрыты по всем швам),чулки, блузку с коротким рукавом, которая надевалась поверх корсета. На талии закреплялся кринолин,а затем турнюр. Поверх кринолина или турнюра надевалась нижняя юбка, которая по формесоответствовала верхней юбке платья. К сожалению, на выставке весь этот комплект представленне полностью, можно видеть только корсет, чулки, нижнюю юбку, кринолина и турнюра нет.Поэтому я отсылаю к видо, размещенному на сайте музея Орсэ, на которм хранительницаПарижского музея моды демонстрирует старинное белье эпохи импрессионистов:http://impressionnisme-mode.musee-orsay.fr/les-dessous.html#!anne-zazzo

34. Пьер Огюст Ренуар. Дама за фортепьяно, 1875-1876, Чикаго, Институт искусств

На даме надет белый муслиновый полупрозрачный пеньюар, что говорит обинтимной сцене.Пеньюар, легкое свободное платье без талии, которое надевалось поверхсорочки и нижней юбки, без корсета и турнюра, носили исключительно дома,как правило, по утрам или перед уходом ко сну. В пеньюаре дама моглапоказываться только членам семьи или очень близким друзьям. 

35. Гюстав Курбе. Барышни на берегах Сены (лето), 1856-1857, Париж, Музей изящных искусств

Отдых на лоне природы в корсете и нижиих юбках могли позволить себе исключительнодамы определенного рода занятий. Лодка у берега намекает о присутствии мужчины.

36. Эдуар Мане. Нана, 1877, Гамбург, Художественная галерея

Картина была отвергнута на Парижском салоне 1877 года как нарушающаяобщественную мораль. Представленная на полотне дама полусвета одетав голубой атласный корсет, муслиновую рубашку, украшенную кружевом,на ногах у нее голубые шелковые чулки с вышивкой и туфельки на высокихкаблучках. Подобное вызывающее белье и туфельки надевались в целяхсоблазнения, и их демонстрация подчеркивала легкомысленный характердамы (серьезной и порядочной женщине полагалось носить корсет белогоцвета и скромную простую рубашку).

37. Анри Жерве. Ролла, 1878, Париж, Музей Орсэ

Картина была сочтена такой же неприличной, как и "Нана", жюри отказалась выставлять ее на салоне.Неприличие картины заключалось, по мнению современников, не в том, что на кровати лежитклассическая обнаженная, а в куче белья и одежды, небрежно сваленной на кресле и на полу.Позже художник признался, что написать отдельно лежащее белье ему посоветовал Эдгар Дега: "Тогдавсем будет ясно, что женщина раздевалась."

"Мечта каждого художника - поместить фигуру в натуральный рост среди пейзажа" - именно такЭмиль Золя пишет в 1867 г. о стремлении современного искусства соединить портретную и ландшафтную живопись.Воздушные платья из полупрозрачного муслина и батиста, шелковые ленты и зонтики от солнца словно созданы для того,чтобы стать частью игры света и тени на летних полотнах импрессионистов.

38. Джеймс Тиссо. Две сестры, или Портрет в парке, 1863, Париж, музей ОрсэЛетние платья из белого муслина с полупрозрачными рукавамии шелковым поясом контрастного оттенка были очень моднымив 60-е годы (см. также № 41).

39. Клод Моне. Женщины в саду, около 1866, Париж, музей Орсэ

Игра света и тени подчеркивает воздушную легкость тканей. Четырефасона платьев, представленных на картине - это четыре основныхтипа женских летних туалетов середины 60-х годов. Дама, сидящаяна газоне, одета в летний костюм с болеро, обшитый контраснымсутажем (см. №№ 40 и 43). Костюм дамы справа напоминаетпо силуэту № 44. Продольные зеленые полосы, мелкий рисунокна белом фоне и светло-бежевый цвет очень часто встречаютсяв платьях этой эпохи.

40. Клод Моне. Гуляющие (этюд для Завтрака на траве), 1865, Вашингтон, Национальная галерея

41. Пьер Огюст Ренуар. Лиза - женщина с зонтиком, 1867, Эссен, музей Фолькванг

42. Клод Моне. Этюд с фигурой на пленэре. Женщина с зонтиком,повернутым вправо, 1886, Париж, музей Орсэ

43. Летний костюм с болеро, около 1867, бежевый лен, черный сутаж,черный шелковый пояс, юбка на шнурках, которые позволяют подобрать верхнюю юбку, открывая нижнюю

44. Дневной летний костюм, около 1866-1867, белый хлопковый муслин с шитьем, кринолин

45. Летнее платье, около 1869, эльзасский линон-батист с рисунком в виде крокусов

Мужской моде посвящен отдельный зал - там можно увидеть вечерний костюм, брюки, рубашки,жилетки, рединготы, головные уборы и сундуки, в которых перевозилась и хранилась одежда.Мужская одежда, в отличие от женской, более унифицированна, однотонна (превалируют серыеи черные тона, цветовые акценты точечные, например, на галстуках), консервативна.За сто пятьдесят лет основной покрой практически не изменился. Интересно, что на обоих портретах, датируемых 1867 годом, Мане и Ренуар носят галстукиодинакового бирюзового оттенка, очевидно, очень модного в момент написания картин.

46. Анри Фантен-Латур. Потрет Эдуара Мане, 1867, Чикаго, Институт искусств

47. Фредерик Базиль. Пьер Огюст Ренуар, 1867, Париж, музей Орсэ

48. Фредерик Базиль. Летняя сцена, 1869 год, Кембридж, Музей искусств Гарвардского университетаЭта сцена купания вполне могла бы происходить и в двадцатом, и в двадцать первом веке.Мужская купальная мода не менятся!

49. Гюстав Кайботт. Парижская улица в дождливый день, 1877, Чикаго, Институт искусствЭто огромное полотно 212,2 на 276 см. Когда стоишь перед ним, кажется, что туда можно войтии очутиться в Париже XIX века.

Модные магазины и лавки составляли неотъемлемую часть Парижа второй половины XIX в.Там работали, в основном, женщины, шившие и украшавшие одежду и шляпки и нередкополучавшие за искусную работу гроши.

50. Джеймс Тиссо. Продавщица (Женщина в Париже), 1883-1885, Торонто, Музей изящных искусств

51. Эдгар Дега. У модистки, 1879-1886, Чикаго, Институт Искусств

52. Эдгар Дега. У модистки, 1882, Нью-Йорк, Метрополитен

53. вверху: Ева Гонсалес. Розовые туфельки, около 1879-1880, частная коллекциявнизу: Ева Гонсалес. Белые туфельки, около 1879-1880, частная коллекция

54. Шляпки, канотье, цилиндр, Париж, Галерея - Музей моды

55. Аксессуары - туфельки, веера и зонтики, Париж, Галерея - Музей моды

Под конец я хотела бы написать о теме, которая на выставке представлена не была, хотя,несомненно, негласно присутствовала - детская мода. Ко второй половине 19-го века она былауже совершенно сложившейся, и значительно отличалась от взрослой - достаточно только взглянутьна потртет мадам Шарпантье с детьми (№ 1) и прочие полотна, на которых мы видим детей.Дети более не рассматриваются и одеваются как маленькие взрослые, но имеют свой собственный стильодежды. Они носят платья с короткими рукавами и юбками, у них свои прически, шляпки, туфельки и носочки. Более того, издаются модные журналы для девочек и молодых девушек, где печатаются соответствующиефасоны (см. фото ниже). Поэтому детская мода заслуживает внимания как особая тема, возможно,для отдельной выставки в будущем.

56. Джеймс Тиссо. Портрет маркиза и маркизы де Мирамон с детьми, 1865, Париж, музей Орсэ

57. Эдгар Дега. Площадь Конкорд (Виконт Лепик с дочерьми), 1875, Санкт-Петербург, Эрмитаж

58. Эдуар Мане. Железная дорога, 1873, Вашингтон, Национальная Галерея

59. Модный журнал для девочек и молодых девушек Journal des Demoiselles

При составлении текста использовались фотографии и материалыкаталога выставки "Импрессионизм и мода", Париж, 2012

Текст © nuescha.livejournal.com

При перепосте ссылка обязательна!

UPD: На настоящий момент выставку посетило около 500 000 чел.

bellezza-storia.livejournal.com

Импрессионизм стиль в живописи

Импрессионизм (фр.impressionisme, от impression – впечатление) – художественное направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине XIX в.Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатленияНовое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О.Руда в области цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных тюбиков для скоропортящихся красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры.

Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

Импрессионизм зародился в 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. К началу 1870-х гг. импрессионистское видение сформировалось в пейзаже: К.Моне, К.Писсарро, А. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение в глазу зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. С этой целью они воспроизводили один и тот же сюжет по несколько раз, добиваясь невероятной чистоты цвета и практически очистив свою палитру от черной краски.

Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся с нерегулярными интервалами с 1874 по 1886 гг. С первой выставкой тогда еще анонимной группы художников связана история происхождения термина «импрессионизм». Критик Луи Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину К.Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), заметив, что «обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…». Новое название пришлось по душе сторонникам движения (правда, не всем), поскольку отвечало творческому методу, который они исповедовали: передача впечатления, фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. Однако, как живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: аналогичные поиски велись мастерами других стран – Англии (Дж. Уинстлер), Германии ( М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь и К.Коровин).Совершив художественную революцию в сознании современников, раскрыв им новые горизонты, импрессионизм дал толчок к развитию искусства и появлению новых концепций, течений и форм. В его недрах зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений.Мастера импрессионизма: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт

Источник: http://www.izostili.ru/index.php?section_ID=23 

Похожие записи

design-kmv.ru

Термины — И: импрессионизм, интерьер — Импрессионизм

Термины — И: импрессионизм, интерьер

А Б В Г Д Ж З И К Л М Н О П Р С Т Ф Х Ц Э Я И Импрессионизм (франц. impressionnisme, от франц. impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начале XX в. Мастера этого направления пытались непредвзято и как можно более естественно и свежо запечатлеть мимолетное впечатление от быстро текущей, постоянно меняющейся жизни. В 1648 г. в Париже была основана Королевская академия живописи и скульптуры, долгие годы следившая за тем, чтобы творческая деятельность страны проходила в рамках классического искусства. Ежегодно под эгидой Академии проводились выставки — Салоны, участие в которых было престижным и почетным. Решающее слово при отборе картин для выставки принадлежало строгому жюри, состоявшему из преподавателей Академии и следившему за тем, чтобы сюжеты представленных полотен содержали героическую или историческую тематику, а сами бы они были выполнены в определенной цветовой гамме с соблюдением непреложных законов классической композиции. 15 апреля 1874 г. в Париже на бульваре Капуцинов состоялась выставка 30 молодых художников, картины которых были отвергнуты официальным жюри Салона. Центральным произведением этой выставки явилась картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца«. На полотне, написанном художником в 1872 г. в его родном городе Гавре, изображена почти нереальная картина восхода солнца над водной гладью гавани. Цвета только слегка обозначены, все подернуто легкой сероватой дымкой, сквозь которую виднеются расплывчатые силуэты судов и кранов. И только красный шар солнца пробивается сквозь утренний туман, создавая в центре картины яркое цветовое пятно. Если отойти от картины на некоторое расстояние, то резкие мазки кисти превращаются в легкую рябь на воде, придавая всей картине удивительную реальность и осязаемость. Впервые в истории живописи художник попытался запечатлеть не реальный объект, а свое впечатление от него. Один из досужих репортеров, которых было великое множество на этой скандальной выставке, Луи Леруа, сотрудник «Шаривари», презрительно назвал Моне и его товарищей «импрессионистами». Впоследствии это ироничное имя закрепилось за художниками и очень быстро потеряло свой первоначальный отрицательный смысл. Несмотря на то, что выставка молодых художников вызвала бурную общественную реакцию, нельзя считать, что именно 1874 г. является годом рождения данного направления в живописи. Сложилось и оформилось оно раньше — примерно за 6-7 лет до указанных событий, поэтому крещение можно считать несколько запоздавшим. Причины, которые заставили художников объединиться и выставить свои картины вопреки официальному мнению жюри, были просты. С одной стороны, выставка явилась своеобразным манифестом, провозглашающим существование нового молодого направления, которое заявило о себе в полный голос. С другой стороны, она привлекала знатоков и ценителей, которые могли стать потенциальными покупателями. Ведь до этого гарантией значимости картины было участие ее автора в официальном Салоне. Зима, предшествующая выставке, для многих ее участников была очень суровой: многие из них в буквальном смысле слова умирали с голода. Поэтому К.Моне взял на себя труд по организации коллективной выставки в надежде, что отвергнутые по одиночке, собравшись вместе, художники смогут привлечь внимание к своему творчеству и своим проблемам. Большинство с энтузиазмом и с полным пониманием значения происходящего откликнулось на призыв Моне: О.Ренуар, А.Сислей, К.Писсарро, П.Сезанн, Э.Дега, Б.Моризо, А.Гийомен. Художники старшего поколения — Э.Буден, Ш.Добиньи, И.Ионкинд — решили поддержать молодежь. И только Э.Мане, признанный всеми мэтр, отказался принять участие в выставке: он признавал только мнение официального жюри Салона и боялся навлечь на себя его гнев. Импрессионисты пытались запечатлеть на полотнах короткие мгновения бытия точно так же, как это делают фотографы в своих работах. Сюжеты картин для художников были второстепенны, они их брали из повседневной жизни, которую хорошо знали: городские улочки, ремесленники за работой, сельские пейзажи, привычные и всем знакомые здания и т.д. Главное для них было чередование света и тени, причудливая игра солнечных «зайчиков» на самых обычных предметах. Нельзя сказать, что молодые художники полностью отрицали опыт своих предшественников. Большое влияние на них оказало творчество Э.Делакруа, в частности, его нетрадиционный способ использования красок, а также реализм Г.Курбе  и пейзажи Дж.Констебла. Но самое большое впечатление на импрессионистов произвели работы Э.Мане, с которым они часто встречались в кафе и беседовали о новых формах живописи, о возможностях, которые открывало перед художниками рождение фотографии, и особенностях восприятия человеческого глаза. Новое поколение художников хотело перенести на свои полотна природу в ее истинном проявлении, поэтому они вышли из студий на открытый воздух (пленэр), чтобы наблюдать изображаемые объекты в их привычной среде при естественном освещении

impressionnisme.ru

---

Смотрите также

• 
  Австрийский стиль в интерьере
• 
  Стиль вегетарианский в интерьере
• 
  Московский стиль в интерьере
• 
  Интерьер во вьетнамском стиле
• 
  Канадский стиль в интерьере
• 
  Стиль в интерьере узбекский
• 
  Интерьер в португальском стиле
• 
  Интерьер в стиле корабля
• 
  Интерьер в стиле комикс
• 
  Интерьер в стиле пляжном
• 
  Интерьер в кубинском стиле