Жанр живописи интерьер: Interior in Painting — History, Artworks, Artists

Жанр церковных интерьеров. Большая российская энциклопедия

Жанр церко́вных интерье́ров, жанр голландской живописи 17 в., посвящённый изображению внутреннего пространства религиозных сооружений. Для его произведений характерны высокая степень достоверности изображения архитектуры, повышенное внимание к построению перспективы и воспроизведению пространства, доминирующая роль света в композициях, стремление передать эффекты световоздушной среды. Интерьеры лишены пышного убранства вследствие Реформации и потому лаконичны по декору. Большое значение имеют стаффажные персонажи, выполняющие как художественные (расстановка пространственных и/или колористических акцентов), так и семантические (привлечение внимание зрителя к тому или иному памятнику в интерьере, тема ванитас и т. д.) задачи; но иногда картины являются и бытовыми зарисовками жизни общины.

В отличие от предшествующей традиции, когда изображались фантастические интерьеры (например, работы Х. Фредеман де Фриса, Б. ван Бассена), мастера жанра церковных интерьеров стремились наиболее достоверно воспроизвести реально существующую архитектуру. Так, например, прославился именно подчёркнутой точностью в фиксации интерьеров голландских церквей на картинах 1-й половины 17 в. («Вид церкви Святого Бавона в Харлеме», 1628, Музей Гетти, Лос-Анджелес; «Церковь Святого Одольфуса в Ассенделфте», 1649, Рейксмюсеум, Амстердам) харлемский живописец П. Санредам.

Жанр церковных интерьеров занимает важное место в наследии делфтской школы, где около 1650 г. ряд мастеров создали новый тип подобных изображений. Открытым остаётся вопрос о его истоках. Питер Янс Санредам. Вид церкви Святого Бавона в Харлеме. 1628. Музей Гетти, Лос-Анджелес. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content ProgramПитер Янс Санредам. Вид церкви Святого Бавона в Харлеме. 1628. Музей Гетти, Лос-Анджелес. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content ProgramИсследователям не известно, что послужило импульсом, который заставил делфтских художников, специализировавшихся в других областях живописи (Э. де Витте, Х. ван Влит) или же творивших в жанре архитектурных фантазий (Г. Хаукгест), почти одновременно (хотя пальму первенства некоторые учёные, например, У. Лидтке, отдают Хаукгесту) обратиться к совершенно новому подходу в изображении архитектуры. Мастерами, которые могли оказать определённое влияние на сложение нового жанра, исследователи называют среди прочих П. Санредама и К. Фабрициуса, переехавшего в Делфт ближе к середине 17 в. Свою роль мог сыграть и рост национального самосознания молодого государства – Республики Соединённых провинций: столь часто изображаемые мастерами жанра Новая и Старая церкви в Делфте были местом погребения героев нидерландской войны за независимость (П. Хейна и М. Тромпа), а также  «отца нации» Вильгельма I Оранского, и фактически являлись целью паломничества для патриотично настроенных граждан.Герард Хаукгест. Деамбулаторий Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма I Молчаливого. 1651.
Королевский кабинет картин Маурицхёйс, Гаага.Герард Хаукгест. Деамбулаторий Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма I Молчаливого. 1651.
Королевский кабинет картин Маурицхёйс, Гаага.

Ключевые мастера жанра церковных интерьеров делфтской школы – Г. Хаукгест («Хор Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма I Молчаливого», 1650, Кунстхалле в Гамбурге; «Деамбулаторий Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма I Молчаливого», 1651, Маурицхёйс, Гаага), Э. де Витте («Интерьер Старой церкви в Делфте», 1651, Собрание Уоллес, Лондон), Х. ван Влит («Старая церковь в Делфте. Вид из хора на северо-запад», 1654, Рейксмюсеум).

Чрезвычайно краткий расцвет жанра закончился с отъездом из Делфта Хаукгеста (после 1651) и де Витте (1652). Изображение церковных интерьеров и позже сохранило важное место в творчестве делфтцев Х. ван Влита, К. де Мана и Й. Кусерманса, а также живописцев из Роттердама (А. де Лорм, Д. де Блик) и Харлема (И. Беркхейде), однако эти мастера не привнесли в жанр никаких принципиально новых решений.

Серебрякова Ирина Вячеславовна

Убранство Зимнего дворца, свет в пустой комнате и др.

Пожалуй, нет такой темы, к которой бы не обратилось искусство. Социальные потрясения и морские бури, перипетии судеб античных героев и каждодневный труд современников, суровая реальность и возвышенные мечтания, дальние странствия и… домашний уют. Интерьерный жанр в живописи всегда был явлением особенным – так или иначе проскальзывал в творчестве многих живописцев, однако лишь единицы уделили ему пристальное внимание. Чьи-то акварели стали подспорьем для реставраторов, чьи-то полотна до сих пор остаются загадкой для искусствоведов, а кто-то, написав лучи солнца на стене пустой комнаты, поведал о человеческом одиночестве больше, чем любой портретист…

Эдуард Петрович Гау и дворцовые интерьеры

Акварели Гау называют «портретами интерьеров» — так они точны, почти документальны, но в то же время всегда проникнуты возвышенным, лиричным настроением. Он родился и вырос в Ревеле (ныне Таллин), в творческой семье – его отец был декоратором и, как бы сейчас сказали, ландшафтным дизайнером, брат – успешным портретистом. Сам Эдуард Петрович окончил Академию художеств в Дрездене, в России получил звание свободного художника и академика перспективной акварельной живописи.

По заказу императорской семьи он писал интерьеры дворцов. Наиболее известна серия его акварелей, посвященных убранству Большого Гатчинского дворца. Эти работы имели огромное значение: Большой Гатчинский дворец был полностью сожжён во время отступления немецких войск, поэтому документальные акварели Гау играли важную роль в восстановлении и реставрации этого памятника русского классицизма.

Капитон Алексеевич Зеленцов — романтик и реалист

Зеленцов не был в полной мере «интерьерным» художником, но, как представитель венециановской школы живописи, вошел в число первых русских реалистов, и достоверно выписанные маслом интерьеры в его творческом багаже занимают значительное место. Он великолепно владел перспективой, колористикой, чувством композиции, создавая убедительные живописные фиксации обстановки жилых комнат и художественных мастерских.

Питер Янссенс Элинга и тайны голландских городов

Элинга – представитель «золотого века голландской живописи». Голландские художники того времени уделяли пристальное внимание изображению быта своих современников. В интерьерах простых – и непростых – горожан они умели воспроизвести не только множество интересных деталей, но и сложный духовный символизм.

Помимо правдивого отображения интерьеров голландских домов, в которых всегда таится намек на неразгаданную тайну, он оставил после себя картины по-настоящему загадочные – «перспективные ящики». В них, словно в камере обскура, можно увидеть комнаты и архитектурные элементы в необычном перспективном искажении.

Василий Семенович Садовников и русские дворцы

Садовников был художником-самоучкой, крепостным княгини Голицыной – той самой «Пиковой дамы». Прославили его многочисленные гравюры с видами Невского проспекта, которые укладываются в шестнадцатиметровую панораму. По поручениям императоров Николая I и Александра II создал множество работ, посвященных Зимнему дворцу – его видам, парадам и смотрам на площади… и, конечно, его интерьерам. Впрочем, не только интерьеры Зимнего появляются в его гравюрах. Залы и парки загородных дворцов, исполненные фотографически точно, стали важной частью творчества.

ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Как крепостной «Пиковой дамы» нарисовал Невский проспект и прославился на всю страну: Василий Садовников.

Эдуар Вюйар: женщины среди орнаментов

Французский художник Эдуар Вюйар, представитель художественной группы «Наби», посвятил свое творчество двум темам – интерьерам и женщинам. Или скорее одной – женщинам в интерьерах. Собственно, это и был его мир. Его отец рано умер, брат решил сделать военную карьеру и покинул дом в юном возрасте, а Эдуара окружали близкие родственницы – мать, бабушка и старшая сестра. Мать была модисткой, и Вюйар, хоть и не занялся портновским ремеслом, с удовольствием наблюдал за ее работой. Он жил с ней всю жизнь – по-видимому, она стала одной из его постоянных моделей.

Впрочем, в пестром, призрачном, нестабильном художественном мире Вюйара нет портретов – женщины, занятые тихими повседневными делами, тонут среди пестрых тканей, подушек, цветов. Он испытал значительное влияние французской живописи сентиментализма, своих коллег-постимпрессионистов и японской гравюры, интерес к которой в то время охватил всю Европу. Художнику были чужды резкие линии и ярке контрасты. Нежные оттенки, широкие мазки – на пике своего творческого поиска Вюйар практически превратил свои интерьеры в абстракции. К «настоящей» портретной живописи он обратился в поздний период своего творчества, когда стал много писать на заказ.

Таинственный Вильям Хаммерсхёй

Самый продаваемый датский художник, Вильям Хаммерсхёй всю жизнь писал одни и те же интерьеры в сумрачных тонах, иногда отвлекаясь на клаустрофобные виды из окна и включая в свои тихие комнаты женские фигуры, безликие и бездейственные. Он проявил способности к живописи очень рано, отношение критиков и современников к его работам было неравномерным – его то превозносили, то отказывались выставлять его работы…

Хаммерсхёй стоял у истоков независимых выставок в Дании, дружил с импрессионистами, глубоко разбирался в живописи, философии, но выбрал собственный путь в искусстве. Хотя художник не был из тех, к кому слава приходит только посмертно, интерес к работам Хаммерсхёя действительно невероятно возрос в конце 2010-х – начале 2020-х годов в связи с тревожными событиями во всем мире. Его замкнутые пространства с неподвижными женскими фигурами одним кажутся отражением черной тоски, другим внушают уверенность и спокойствие, но главное – именно теперь живопись Хаммерсхёя нашла всеобщее понимание.

ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Почему самый дорогой датский художник всю жизнь писал одни и те же сумрачные интерьеры: Загадка Хаммерсхея.

Эдвард Хоппер – интерьер как форма одиночества

Эдвард Хоппер – американский художник, чьи работы посвящены городу и его обитателям, одиноким, отчужденным, потерянным. Интерьеры, минималистичные и холодные, залитые резким электрическим светом или тщетно пытающиеся согреться в солнечных лучах, подчеркивают эмоциональное состояние героев. Иногда они совершенно пусты, лишены обстановки, не обжиты — и говорят скорее не об отсутствии жильцов, а о невозможности пустить корни, найти себе место в жизни.

Творчество Эдварда Хоппера заслуживает отдельного разговора. Он был вундеркиндом — однако сегодня гораздо популярнее, чем при жизни…

Текст: Софья Егорова.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Нравится

Краткая история покраски домов —

Фрэнк Кампанелли — frank. [email protected]
Сегодня все мы воспринимаем выбор цветов и марок краски для дома как нечто само собой разумеющееся. Вы можете посетить местный магазин красок и просмотреть бесчисленное множество оттенков практически каждого цвета радуги. Просто принесите полоску ткани или любой цветной образец, и его можно отсканировать, чтобы получить удивительно точное соответствие цвета за считанные минуты. Не всегда было так много вариантов, когда дело доходит до покраски дома, внутренней окраски или внешней окраски. Давайте совершим путешествие в историю и посмотрим, как далеко можно проследить роспись жилых помещений.

Можно только представить себе пещерного человека, мучающегося выбором между серым «огненная сажа» и бордовым «кровь бизона» для декора своей пещеры. Факты показывают, что человечество украшало свое жизненное пространство еще 40 000 лет назад, используя то, что можно было бы назвать краской. Материал также будет сделан из натуральных ингредиентов! Доисторическая краска была сделана из цветной земли, сажи и органических материалов, смешанных с кровью животных и жирными маслами. Недавно археологи обнаружили место в Южной Африке, которое указывает на то, что мужчины (или женщины) использовали желтовато-коричневое покрытие на основе глинистой почвы, которое, возможно, использовалось как краска.

Перенесемся в Египет всего около 2000 лет назад. Ярко окрашенные стены в Дендере выдержали испытание временем и сегодня выглядят так же ярко, как и тогда, когда они были покрашены! Мы не знаем ни одной современной краски, дающей такую ​​гарантию. Египтяне создавали шесть цветов, смешивая масло или жир со свинцом, землей, кровью животных, матовым стеклом или полудрагоценными камнями. Их вкус включал белый, красный, желтый, зеленый, черный и синий. Сложные и сложные картины, иллюстрирующие их культуру и историю, были написаны вместе с мебелью и жилыми помещениями фараонов и правящих классов. Некоторые из лучших рисунков были зарезервированы для египетских гробниц, поскольку того требовала их вера в загробную жизнь.

Вообще говоря, ремесленники и ремесленники были теми, кому поручали рисовать на протяжении всей истории. Профессия маляра была очевидна еще в 1200-х годах, и многие подозревают, что маляры как профессия могут быть даже более далекими во времени. Но поскольку Гутенберг не изобретал печатный станок до 1440 года, писцы записали не так много письменных историй о малярах, которые могли существовать в первом веке.

В четырнадцатом веке маляры в Англии организовались в гильдии. Это то, что действительно сделало малярку дома уважаемой профессией, которая придерживалась определенных стандартов практики. Они организовались в две группы: «Компания художников» и «Компания красильщиков». Несколько сотен лет спустя они объединились в так называемую «Почтенную компанию художников и красильщиков». Их навыки смешивания и нанесения красок фактически считались секретами для посторонних, чтобы защитить их способ зарабатывать на жизнь.

Роспись дома стала чем-то, чего следует избегать, если вы были частью первых американских колоний. Паломники считали покраску своего дома проявлением нескромности, богатства и тщеславия. Многие считали эту практику аморальной, и в 1630 году проповедник, украсивший интерьер своего дома в Чарлстауне краской, был обвинен в святотатстве.

Несмотря на возражения пуритан, спрос на интерьерную живопись сохранялся. Масло и вода стали основой, которую можно было смешивать с широким спектром материалов, включая свинец, молотые ракушки, оксид железа или меди, кофе, рис, яйца, фрукты, ягоды и другую растительность, чтобы создать множество типов и цветов краски. Производители красок подтасовывали свой продукт, несмотря на то, что он был нелегальным. Многие дома были искусно украшены реалистичными фресками с изображением неба, камня и ландшафта, нарисованными на стенах, панелях, карнизах и потолках. Инструменты для рисования, используемые в то время, очень похожи на современные кисти с деревянными ручками и различными типами волос. В современных кистях используются синтетические волокна, но цель та же: нанести краску на поверхность соответствующей толщины и мазка, чтобы облегчить процесс и добиться наилучшего конечного результата. Многие краски были довольно густыми и совсем не похожими на легко наносимую краску, к которой мы привыкли.

В 1718 году Маршалл Смит изобрел «Машину для измельчения красок», которая положила начало гонке инноваций, направленных на создание наилучших способов эффективного измельчения пигментных материалов и фактическое начало производства краски на малярном заводе. К середине 1800-х годов льняное масло стало использоваться в качестве менее дорогого связующего вещества, которое фактически защищало окрашенную древесину.

В 1866 году была создана первая компания по производству готовой к использованию краски, Sherwin-Williams. Гарри Шервин, Алансон Осборн и Эдвард Уильямс основали компанию Sherwin, Williams, & Co. в Кливленде, штат Огайо. Позже Генри Шервин разработал жестяную банку, которую потребители могли повторно запечатать. В 1883 году началось соревнование, которое продолжается и сегодня, когда Бенджамин Мур начал свою деятельность. Компания уделяла большое внимание химии для улучшения смешивания и производства цветов на протяжении всего двадцатого века и была первой, кто разработал компьютерную систему подбора цветов, к которой мы все привыкли еще в 19 веке. 82.

Так что наслаждайтесь выбором, который у вас есть сегодня, и максимально используйте краски для своего дома, которые могут оживить вашу наружную роспись дома и улучшить настроение вашей внутренней росписи дома. Сегодня небо — это предел, когда дело доходит до представления доступных возможностей и создания именно того образа, который вы желаете.

Жанровая живопись — Artlex

Термин «жанровая живопись» относится к картинам, изображающим ситуации и сцены из повседневной жизни. Эти темы включают в себя различные повседневные сцены, такие как время приема пищи, различные праздники, концерты или многолюдные рынки и улицы. Помимо атмосферы, характерной для городской среды и опыта буржуазии, жанровая картина также представила сельские сцены, такие как деревенские праздники и сцены с животными на ферме. Для жанровой картины характерен также отказ от четкого определения личности изображаемых фигур с целью достижения первенства представляемой темы, которая в зависимости от художника преподносилась реалистически или романтизировалась. Яркими представителями этой живописи являются Квентин Матсис, Питер Брейгель, Иоганнес Вермеер, Рембрандт Харменс ван Рейн, Питер де Хох, Жан-Батист Грез, Уильям Хогарт, Франсиско Гойя, Гюстав Курбе, Илья Репин, Норман Роквелл.

Известные жанровые картины

Питер Брейгель Старший, Крестьянская свадьба, 1567 г., панель, масло, 114 × 164 см, Художественно-исторический музей, Вена

Джудит Лейстер, Концерт, 1631 г., холст, масло, Национальный музей женщин в Искусство, Вашингтон, округ Колумбия, Дэвид Тенирс Младший, Деревенская ярмарка, ок. 1645, холст, масло, 115 x 178 см, Staatliche Kunsthalle, КарлсруэЙоханнес Вермеер, Дама пишет письмо со своей горничной, ок. 1670–71, холст, масло, 71,1 x 60,5 см, Национальная галерея Ирландии, Дублин 9.0002  

Василий Перов, «Спящие дети», 1870 г., холст, масло, 53 × 61 см, Третьяковская галерея, Москва Жанры в европейской культуре. Таким образом, первичное или высшее положение занимала историческая живопись, следующее место принадлежало портретной живописи, а третье — жанровой живописи. К так называемым низшим жанрам относились пейзажи и натюрморты. Так ценятся низшие жанры живописи, потому что все это воспринималось как фрагментарная живопись. В такой иерархии фрагменты пейзажа или натюрморта составляли стандартные элементы исторической живописи. Жанровая картина также часто характеризовалась как фрагмент потенциально сложной живописи, но, поскольку она включала в себя многие элементы портретной живописи, этот жанр в конечном итоге получил высокий рейтинг.

Жанровая живопись как часть протестантской Реформации

Общие социальные изменения, вызванные расколом в Римско-католической церкви, стали основой растущего успеха этого вида искусства. Первая половина 16-го века была решающей для понимания двух противоположных визуальных культур — одной, принадлежащей недавно образованной протестантской церкви, и другой, принадлежащей римско-католической церкви, известной как искусство барокко. В районах с преимущественно протестантским населением постепенно возрастало влияние богатого класса купцов. Члены этого класса сыграли важную роль в создании новых желаемых тем в живописи и визуальной культуре в целом. В ответ на традиционализм римско-католической идеологии репрезентативности протестанты, особенно в городских районах, создали систему ценностей, в которой узнаваемые, достоверно представленные сцены из их повседневной жизни были отмечены как очень желательные. Непретенциозный подход к сюжетам живописи, лишенный традиционных возвышенных тем, проложил путь к развитию новой гражданской, индивидуалистической культуры, которая ценит и визуально оформляет аспекты своей повседневной жизни в художественной форме.

Жанр Живопись и Золотой век Голландии

Золотой век Голландии, т. е. период с 1588 по 1672 год, имел решающее значение для развития современного рынка искусства. Большое количество все более влиятельных семей купцов, которые искали произведения искусства для своих частных коллекций, повлияли на создание среды, в которой возникли многочисленные живописные студии. Историческая живопись сохранила свое высокое значение, как и портретная живопись, однако подавление религиозной тематики значительно открыло широкий спектр так называемых низших жанров, которые быстро стали чрезвычайно популярными. От пейзажей через городские пейзажи, морские картины до натюрмортов и жанровых картин были созданы в огромном количестве. Образовавшийся в этот период изобразительный язык посредством живописи так называемых низших жанров окажет значительное влияние на тенденции в живописи как XIXго и 20 века. Жанровая живопись этой эпохи привнесла широкий спектр тем от сокращенных композиций с одной фигурой до картин, изображающих большие группы. Нередко можно услышать, что эта картина является подлинным свидетельством жизни людей в Северной Европе в 17 веке именно из-за разнообразия тем, которые она затрагивает, начиная с «Банкета амстердамской гражданской гвардии года» Бартоломеуса ван дер Хелста в честь празднования Дня Рождения. Мюнстерский мир и Рембрандта Syndics of the Drapers’ Guild , Веселая компания Джерарда ван Хонтхорста до Крестьяне в интерьере Адриана ван Остаде или Горничные Николаса Маеса .

Жанровая живопись в 19 веке

В течение долгого 19 века было много революционных прорывов в изобразительном искусстве, но жанровая живопись по-прежнему широко представлена, как и городской пейзаж, в то время как с развитием метода пленэра пейзаж живопись предметом исследования многих живописцев. Новое отношение к природе, то есть установление концепции стремления к возвращению к природе, открыло простор для высокой оценки пейзажной живописи. Во второй половине 19 в.ХХ века, после революционных преобразований, жанровая живопись художников, близких к реализму, характеризовалась резкой социальной критикой. Художники реализма внесли в жанр живописи тему вымирающих социальных групп, бедняков, наемных рабочих, которых нельзя было увидеть в утонченном, утонченном голландском жанре живописи. Усердие живописцев реализма сменилось непосредственностью импрессионистов, подходивших к жанровой живописи документально с целью передать аутентичные зрительные или световые качества определенной сцены.

Жанровая живопись ХХ века

Жанровая живопись была константой изобразительного искусства и на протяжении всего ХХ века. Поскольку эксперименты в изобразительном искусстве ХХ века происходили больше в области формальных признаков, чем в области тем, жанровая живопись прослеживается во всех ответвлениях модернизма, продолжавших достижения реализма. Творчество арт-группы «Школа Ашкан» — пример такой преемственности и частого воплощения жанровых тем. Другой тип опоры на опыт реализма был привнесен через жанровую живопись в социалистическом реализме, которая исключала все критические компоненты, чтобы стимулировать пропагандистские качества живописи. Жанровые темы также затрагивались в поп-арте, так что со временем фотография стала иметь приоритет в трактовке жанровых тем по отношению к живописи.

Известные художники

• Квентин Матсис (1466–1530)
• Питер Брейгель (ок. 1525–1569)
• Ян Сандерс ван Хемессен (ок. 1500 – ок. 1566)
• Питер Артсен (1508 – 1575)
• Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)
• Ян Стен (ок.