Графические картины в интерьере: Картины графика архитектура и интерьер — купить в интернет-магазине Ярмарка Мастеров

Живопись и графика в интерьере – Сделай Дом Сам

Люди на протяжении всей своей истории всячески пытались украсить свои жилища, наглядным примером тому остаются росписи в пещерах Ласко, Альтамира и многих других, петроглифы, разбросанные по всему миру. Эти рисунки носили не только ритуальный характер. Бесчисленное количество ладошек покрывает своды пещеры «Куэва-де-Лас-Манос» – своеобразный аналог коллажа с семейными фотографиями. Сегодня всевозможное «украшательство» жилого пространства развернулось в полную силу, тенденция индивидуализации интерьера набирает все большие обороты, на помощь домохозяйкам приходят пинтерест и хэндмэйд-блоги, постеры с Алиэкспресс, наборы для творчества, различные рукодельные сообщества.

Отпечатки ладоней на сводах пещеры «Куэва-де-Лас-Манос». АргентинаКоллаж с семейными фотографиями

Довольно часто встает вопрос: существуют ли какие-то правила использования живописи и графики в интерьере, на что обращать внимание при покупке картин, формировании коллажей и композиций, чем руководствоваться при создании каких-то декоративных предметов своими руками. А поможет нам в этом разобраться профессиональный художник Анна.

Анна Герман и ее работы

Мы постарались сделать разговор содержательным, но понятным, без сложных терминов.

Примечание: далее по тексту в подзаголовки вынесены ключевые вопросы, обычным шрифтом написаны анины реплики, курсивом – мои комментарии. Сама статья является письменной версией нашей онлайн-беседы, запись которой можно посмотреть по ссылке.

Ань, чем ты вообще занимаешься и как пришла к этому?

Я художник. Рисую с детства, за плечами художественная школа, образование «Модельер-конструктор швейных изделий» (в обязательную программу входило то, что сейчас называется фэшн-иллюстрациями). Позже получила высшее образование по специальности «Специалист по рекламе» и этим специалистом проработала больше 10 лет. И только потом (сравнительно недавно) определилась с тем, кем хочу стать, когда вырасту: художник во мне победил. Я рисую и считаю это своим призванием.

Работа Анны в интерьере

Наверно, самый ключевой и важный момент: как выбрать и как вписать картину/композицию в интерьер – что первично?

У каждого из нас свое видение прекрасного, уровень насмотренности, но общие законы есть, негласные и не строгие, но все же… В первую очередь стоит отталкиваться от размеров помещения, освещенности, стиля оформления, – все это влияет на наш выбор. Например, у вас лофт, большая кирпичная стена и картинка 10х15 с… единорогом. Композиционно это будет смотреться странно. Логичнее подобрать одно большое панно или композицию из сочетающихся постеров, прекрасным вариантом будут диптихи и триптихи, когда одно изображение разбивается на несколько фрагментов, каждый из которых помещен на отдельный холст.

Большой формат – это не только холст на подрамнике, но и роспись любым материалом (баллончики, акрил, масло, мозайки, витражи – у каждого материала свои свойства, которые стоит учитывать) непосредственно по стене. Сюда, в том числе, относятся фрески с итальянскими улочками и огромные холсты с реалистичным тропическим лесом.

Это уже прием расширения пространства, что, естественно, влияет на интерьер. Для того чтобы такой элемент смотрелся органично, его необходимо поддержать чем-то еще (материалами, светильниками, мебелью, декором и т.д.)

Нельзя забывать и об освещенности. Если темную картину повесить в какое-то темное помещение, ее будет просто не видно. Нужно будет добавлять локальный свет (тогда она будет акцентом, скорее всего), либо переместить ее в другое помещение, где с освещением лучше.

Тут еще есть такой момент: мы можем использовать картину как интерьерообразующий элемент, то есть выстраивать вокруг нее все остальное. Например, если бы я обзавелась работой… скажем, Бэнкси (известный автор граффити, его работы в сдержанной цветовой гамме концептуальны и саркастичны), то моя квартира выглядела бы иначе: дерзкий индастриал с бетоном и фактурным металлом, – роспись задавала бы тон всему пространству. Второй же, более распространенный, вариант – сделать первичным интерьер, а картины (не зависимо от их размера) вписывать в него по настроению, сезону.

Работа БэнксиИндустриальный интерьер

Привязывать тематику к функционалу помещения не стоит, тут необходимо отталкиваться от того настроения, которое хочется создать здесь и сейчас. У меня однажды заказывали герб семьи, который должен был разместиться в специальном уголке с семейными реликвиями – люди специально организовали такое место, не опираясь ни на какие требования фен-шуя и прочих рекомендаций из интернета.

Относитесь к картинам как к эмоциональным и визуальным акцентам, расставляя их под свои задачи, а не чужие рекомендации.

Хорошо, с этим разобрались, теперь предлагаю поговорить о том, откуда эти картины могут взяться. Начнем с самого очевидного: их можно купить. На что обращать внимание при выборе готовой работы?

Если мы покупаем, то вариантов много: уличные художники, ярмарки, выставки, ИКЕА и Hoff, интернет-магазины и онлайн-выставки, Etsy.com, Инстаграм…

Вариантов много, но довольно часто это эмоциональная покупка: здесь и сейчас увидел картину на Невском/постер в магазине и понимаешь, что это оно, хочу. Позже, уже дома, эмоции утихают, не исключено, что может прийти разочарование: техника наивна, по стилю и цвету не вяжется с интерьером. Может быть и еще неприятнее: в свое время преподаватель по живописи рассказывал о знакомом, который фотографирует картины перед продажей и самые популярные сюжеты копирует один в один, –  эдакий масс-маркет от профессионального художника. Никакой индивидуальности и чувств автора в такой работе, понятно, нет.

Коллаж из постеров ИКЕА

Согласна, на уличных ярмарках такое встречается сплошь и рядом – спрос диктует предложение. Я не одобряю такое, но это уже подход художника: они идут на расширение аудитории, стремятся, чтобы работы не зависали на стенде, то есть потраченное время конвертировалось в деньги, а ускорить процесс проще, используя востребованные темы.

В связи с этим я бы порекомендовала отдать предпочтение художникам, работающим в собственных техниках, имеющим авторских стиль – чаще это свидетельство того, что человек получает удовольствие от работы, развивается, – то есть вкладывает кусочек себя.

Портрет в авторской технике

Как не скатиться в эмоциональную покупку? Это уже более сложный вопрос, потому что чаще всего это происходит так: ты проходишь, видишь картину, у тебя щелкает, она к душе прилипла и все, с эти сделать что-то сложно. В такой ситуации стоит отойти на несколько шагов, посмотреть на нее со стороны: оценить ее размер, цвет, сюжет, представить ее в своем интерьере.

Я  бы еще посоветовала попросить ее снять со стенда и поставить отдельно на нейтральный фон: если рядом расположено много разных цветовых пятен, то они влияют друг на друга. И уже тут представлять ее на собственной стене, даже если она другого цвета.

Растиражированные изображения

Про гипермаркеты вообще вопрос скользкий – говорить о нем нейтрально сложно. Найти там что-то индивидуальное почти невозможно, неизвестно у скольких друзей дома ты увидишь такой же постер. Опять же не для всех важна индивидуальность, для кого-то комфортно, что у всех членов семьи одинаковая репродукция висит. Есть еще одна опасность: можно скатиться в безвкусицу, потому что на массового потребителя чаще делают что-то простенькое. Однако в масс-маркете можно присматривать тренды и адаптировать их.

Следующий вариант – нарисовать самому, градус уникальности работы резко возрастет, да и эмоций она в итоге будет дарить больше. Тем, кто не уверен в своих силах, в помощь всевозможные курсы (например, твои), уроки в интернете,  готовые наборы – главное время и желание.

Если хотите создать что-то свое, первый  вопрос который стоит задать себе: для чего? Если это для души и тебе хочется просто помалевать, повязать, повышивать, поскладывать мозайки – прекрасно. Это все развивает мелкую моторику, помогает успокоиться и высвободить внутренние переживания, но не факт, что позже найдет достойное применение в интерьере.

Работы участников мастер-классов Анны

Либо же вы целенаправленно делаете что-то для украшения своего дома, тогда необходимо заранее продумывать будущую композицию, сочетая работы между собой и с окружением по стилистике, цвету, технике и тематике. То есть композицию из египетского папируса, бабушкиной вышивки и результатов вчерашнего мастер-класса по живописи создать будет, мягко говоря, очень сложно, а вот свалиться в китч с таким набором проще простого.

Смотрите также

Я как раз из тех, кто видит новую технику и сразу хочет ее использовать, пока держусь, но хочу лить эпоксидку, вживлять изображения в деревянные брашированные панно, еще у меня папка институтских работ, коробка вышивок и нежная любовь к постерам из ИКЕИ. При этом у меня есть спальня – предельно индивидуальное пространство, своеобразная норка, где можно позволить себе немного безумства. Я представляю это как сложные композиции из разных картин-постеров-фотографий-тарелок, которыми пестрит англоязычный интернет. Там же реально разное все, и даже рамки, а выглядит вкусно и гармонично.

Нужно искать способы объединить. Самое очевидное решение – подружить все одинаковыми (или похожими) рамами или вариантом оформления (цвет паспарту). Можно собирать по теме, гамме, стилистике, причем объединяющий элемент должен быть довольно очевидным и общим для всех.

Если хотите такую композицию, тренируйте насмотренность и развивайте вкус. В любом случае, позовите компанию – второе мнение тут стоит послушать, так как чем дольше вы над ней чахните и передвигаете элементы, тем больше замыливается глаз. Можно использовать приемы, о которых рассказывают в художке: отойди на пару шагов, прищурься, сфотографируй и посмотри вверх ногами – взглянув под другим углом, легче увидеть недостатки композиции.

Есть третий путь, как я понимаю, для тех кто хочет очень индивидуально, но в своих силах не уверен или нет времени:  индивидуальный заказ. Какие моменты нужно учесть при формировании технического задания? Есть ли разница при заказе живописи и графики? Что можешь посоветовать на основании своего опыта – ты же пишешь на заказ?

Тут самое главное  общение: необходимо максимально четко и точно сформулировать и донести до художника, что вы хотите, как это видите и какой итог представляете – видение у всех разное и угадать, какие образы в чужой голове невозможно. Чем четче ТЗ, тем меньше правок будет в перспективе и тем ближе результат будет к вашей задумке. Обязательно остановитесь на том, где планируете разместить картину, в какой гамме ее видите, что там со светом. Можно собрать мудборд с примерами. Немаловажно и то, что обращаться к художнику стоит только в том случае, если вам нравится его стиль. Неприязнь к технике или тематике будет видна даже при качественно выполненном заказе – картина это не только техническая работа, но и энергетическая.

Пример аниной работы, выполненной на заказ

Разницы в ТЗ для живописи и графики нет, однако техника продиктует сроки, стоимость, итоговый вид (у разных материалов разные свойства, которые необходимо учитывать).  Если мы берем живопись, то нужно закладывать время на обязательную полную просушку. Графика же – чаще про менее дорогие материалы, быстрое выполнение. Ее легко оформить в любую даже готовую раму, а для живописи, скорее всего, потребуется заказать багет.

Тут стоит уточнить (для слушателей/читателей): графика – что-то условно плоское и обязательно оформляемое под стекло: помимо карандаша это и весь мягкий материал (уголь, сепия, пастель), акварель, гуашь. Живопись отличается фактурностью, чаще  всего видно отдельные мазки: акрил, темпера, масло.

Цветная графикаЧерно-белая живопись

Индивидуальный заказ будет самым дорогим из вариантов, но вы можете быть приятно удивлены результатом: что-то не сможете сделать самостоятельно, видение другого человека может также сыграть роль.

Ну и последний вопрос: есть ли сейчас какие-то тренды в сюжетах и техниках? Например, в 90е, принесшие нам золотые унитазы, многоуровневые потолки и колонны, спросом пользовались фотореалистичные изображения природы и фантазийные портреты в мехах и мантиях (а-ля Никас Сафонов). Сейчас в целом видение прекрасного сменилось, мы прошли «космический» этап первой половины 10х и куда пришли? Что пользуется популярностью сейчас?

Есть до сих пор люди, которые рисуют космос. Вообще на рынке курсов и мастер-классов можно найти что угодно. Из трендов  уже который год держится эпоксидная смола, которой делают морские панно, столешницы, сервировочные доски. Также популярен похожий на эпоксидку флюид-арт – с помощью жидкого акрила делают абстрактные композиции или имитацию камня (последнее, кстати, прямо на пике популярности). Не стоит забывать и о технике на основе смешения шпатлевки и акрила – объемной живописи. МК по интерьерным картинам на фанере и деревянных спилах сейчас широко представлены на рынке и пользуются большой популярностью. В конце лета (2020 года) у нас будет марафон как раз по таким панно, буду рада вас видеть.

Использование картин и произведений графики в интерьере • Студия интерьерного дизайна Dom Interior

Значение при выборе произведений живописи и графики имеет их тематика. Тематика картины должна соответствовать назначению комнаты. Так практически для всех комнат подходят натюрморты, пейзажи и портреты. В общей комнате, столовой, гостиной будут хорошо смотреться фигурные композиции, пейзажи, портреты.

В спальне более уместны цветы и пейзажи, выполненные в спокойных пастельных тонах. Специалисты в области дизайна подчеркивают важность тщательного и заботливого отбора картин для детской комнаты.

Так как малыши в возрасте от 3 до 4 лет не фиксируют подолгу внимание на одной картине, охватывают сразу все беглым взглядом, то и рисунки в детской комнате должны быть с четкими контурами.

На рисунках для маленьких детей должно быть не более двух – трех изображений, нарисованных на равномерном и светлом фоне. При выборе картин для детей в возрасте от 5 до 6 лет рекомендуется подбирать сюжеты на тему сказок, детских стихов и рассказов.

В детской, где находится ребенок 6 –7 лет, можно повесить красивый пейзаж или произведение графики. Очень хорошо застеклить и развесить на стене самые удачные и выразительные рисунки, нарисованные самим ребенком. Фотографии для оформления детской комнаты менее пригодны.

Любое произведение живописи или графики нуждается в хорошей оправе: раме или окантовке. Хотя, существуют такие произведения современного искусства, которые можно повесить и без рамы. В таком случае их закрепляют на некотором расстоянии от стены (20 – 40 мм). Произведений графики лучше поместить в тонкие деревянные рамки. Живописные картины, написанные масляными красками или темперой, нуждаются в массивных рамах.

При выборе рамы нужно учитывать, что она по своему характеру, стилю и отделке должна сочетаться с мебелью. Это обеспечит единство узловых элементов интерьера и послужит залогом успеха художественного оформления. Очень часто рамы окрашивают в белый или черный цвет.

Черные рамы прекрасно сочетаются с черно-белыми офортами и гравюрами. Рамы белого цвета можно использовать для любых живописных и графических произведений. В случае, когда для отделки интерьера применялось натуральное дерево с проявлением текстуры, то для художественных произведений подойдут рамы из натурального лакированного дерева. Это послужит более гармоничному взаимодействию различных элементов интерьера.

Не следует забывать, что большую роль в восприятии картин оказывает их окружение. Поэтому для произведений живописи и графики рекомендуется выделять стены, на которых нет других декоративных украшений. Картины, безусловно, проигрывают в окружении большого количества безделушек, сувениров, хрустальных ваз и т.д. При этом абсолютно не запрещается создание композиций из картин и декоративной скульптуры, напольных ваз, статуэток и т.п. Все зависит от полета вашей фантазии и, конечно, чувства меры.

Место, в котором будет расположена картины, определяют с учетом размещения мебели и общей композиции помещения. Небольшие и средние картины можно расположить над мебелью, группами симметричной или асимметричной формы. Художественные панно и картины большого размера рекомендуется размещать на незанятых простенках и над невысокой мебелью.

Картина утрачивает свою выразительность в темных местах, и поэтому нуждается в свободной и широкой плоскости. Хуже всего картины воспринимаются, если они размещены в простенках между окнами. Также плохо воспринимаются картины и, особенно, произведения графики на стенах с пестрым и крупным и узором обоев или наката.

Стены, где вы планируете разместить художественные произведения, должны быть гладкие, окрашенные в светлые однотонные тона или оклеенные обоями с мелким не контрастным рисунком.

Изучение искусства Фэнч Ледана

«Ночные ночи Нью-Йорка 2», Фэнч Ледан

Франсуа «Фанч» Ледан — выдающийся художник и гравер. В следующем эссе, взятом из книги «Fanch: The Graphic Work», искусствовед Элеонора Хайт, доктор философии. представляет прекрасную историю карьеры Фанча и рассказывает о происхождении знаковых «интерьерных пейзажей» художника.

Недавняя оригинальная гравюра Fanch Ledan предлагает окно в мир этого художника, изящный синтез наблюдаемых фактов, художественного почтения и мечтаний. В «Интерьере с Буддой», 2001 г., шелкографии с картины, написанной в прошлом году, мы смотрим вниз на элегантную комнату. Хотя здесь никого нет, кроме нас, зрителей, мы можем собрать воедино историю жизни. Классическая музыка играла на арфе, читала за чаем, ценила антиквариат и испанских мастеров современного искусства — Пикассо и Миро.

Все упорядочено базовой геометрией — квадратные колонны, вертикальные струны арфы, розовые и розовые полосы обивки. Цвета тоже способствуют ощущению гармонии и покоя. Интенсивные оттенки оранжевого, желтого и сине-зеленого в мебели и произведениях искусства смягчаются более мягкими оттенками розового и синего цветов. В то время как эти детали говорят о культурной жизни в большом интерьере, изображение показывает, что художник в равной степени озабочен другими мирами.

«Над Санторини» (2008 г.), Фанч Ледан

Взяв за основу очки, оставленные на стуле, мы меняем поле зрения с ближнего на дальнее, либо буквально из окна на сверкающий ночной город, либо, как подразумевает Будда из розового кварца, воздвигнутого на пьедестале, духовно в небо над головой. Совершенный мир комфорта и искусства соседствует с бесконечным миром мечтаний.

Основные элементы этой работы — высокая точка обзора, отсутствующее, но подразумеваемое присутствие участников, порядок, усиленный цветом, вид вдаль — характеризуют большую часть зрелых работ Фанча, как его живописи, так и его графических работ. Огромная привлекательность его искусства проистекает из тонкого баланса, но скрытого напряжения между тем, что реально, и тем, что возможно.

Его жизнерадостность, часто изобилие, уравновешивается как мирскими знаниями, так и личным самоанализом. Фэнч выбирает из своих тщательно прорисованных картин, относительно небольшого ежегодного выпуска около 25-30 работ, те изображения, которые он превращает в оригинальные гравюры. С самого начала своей карьеры он видел своим величайшим достижением публикацию своего искусства, чтобы оно могло быть более широко известно. За последние три десятилетия он создал ошеломляющее количество ограниченных серий…

Искусство, созданное Франсуа Леданом, известным сегодня прежде всего под псевдонимом Fanch, неразрывно связано с событиями его жизни. Его личность как бретонца, годы учебы, жизни и работы в Соединенных Штатах и ​​Франции, его тяга к путешествиям — все это сформировало его мировоззрение и, следовательно, его искусство. Более пристальный взгляд на пройденный им путь открывает еще одно окно в мир, который он создает своими картинами и графикой.

Fanch Ledan и Park West Gallery Основатель и генеральный директор Albert Scaglione

Родившийся в 1949 году в Понтиви, Бретань, на северо-западе Франции, Фанч был младшим ребенком врача (его отец) и дантиста (его мать). Он получил образование в местных школах, прежде чем продолжить обучение в бакалавриате и аспирантуре в Париже. Хотя он был талантлив в математике и естественных науках, жизнь в Париже привлекла его внимание к очарованию города и его знаменитой художественной сцене.

К тому времени, когда он получил три степени бакалавра в области математики, естественных наук и философии в не по годам развитом возрасте девятнадцати лет, он начал рисовать свои первые небольшие картины — уличные сцены Парижа. Он также начал свою жизнь постоянных путешествий с экскурсии в Грецию, Венгрию и Югославию. Сначала Фэнч следовал профессиональной жизни, выбранной его родителями, братьями и сестрами (его брат — инженер, а сестра — ортопед).

Он изучал бизнес в Ренне, Бретань, и в Париже, где в 1972 году получил степень магистра в Высшей школе прикладных коммерческих наук. За это время в Париже он также познакомился со студентами Школы изящных искусств и посетил основные музеи и галереи.

Тем не менее, Фэнч очень хотел поехать в Соединенные Штаты, и, к счастью, его родители согласились при условии, что он продолжит учебу. Таким образом, в 1972 году он поступил на программу магистра делового администрирования в Государственный университет Сакраменто, где в следующем году получил степень.

«Интерьер с Пикассо II» (2016), Fanch Ledan

1973 год был важен, однако, по другой причине. Фанч решил показать некоторые из своих картин Макиннесу Бромфилду, директору галереи Pantechnicon в Сан-Франциско, и, к его удивлению, он предложил Фэнчу свою первую выставку в галерее. В следующем году последовало еще одно шоу в галерее Pantechnicon, а также выставки в Лос-Анджелесе, Лагуна-Бич, Нью-Йорке и Милане. Внезапно Фанч понял, что может зарабатывать на жизнь тем, что любит больше всего и что до этого момента было лишь призванием — созданием искусства.

В 1974 году Фанчу нужно было вернуться во Францию, чтобы выполнить свой долг перед военной службой, но то, что могло стать нежелательным перерывом в его расцветающей карьере, вместо этого, как это часто казалось в его счастливой жизни, стало важной вехой. К счастью, получив военный административный пост во Дворце Почетного легиона в Париже, Фанч посвящал свое время после работы своему искусству, снова обращаясь к парижским уличным сценам.

Квартира Фэнча, которая одновременно служила его мастерской, располагалась на улице Жоливе на Монпарнасе над магазином литографии. Фэнч стал постоянным посетителем Atelier Noël, где он изучил литографию цинковых пластин. В 1975, у него также была выставка в мастерской его первых набегов на гравюру там, наряду с подборкой его картин.

Сегодня Фэнч вспоминает, как он был взволнован в то время «быть опубликованным», что он считал тогда, как и сейчас, высшим достижением для художника. Это двухлетнее пребывание в Париже также включало публикацию его первого издания литографий издательством Éditions Tallandier. Таким образом, в начале своей карьеры известный парижский издатель настолько восхищался своим искусством, что пошел на финансовый риск, вложив средства в производство своих оригинальных гравюр.

«Нью-Йоркский лунный пейзаж II» (2016), Фанч Ледан

После окончания военной службы во Франции Фанч решил вернуться в 1975 году в Сан-Франциско, место своего первого художественного успеха. Став постоянным жителем Соединенных Штатов, он купил дом и студию через залив в Саусолито, где он будет жить и работать следующие шестнадцать лет. Однако он продолжал путешествовать туда и обратно между Калифорнией и Францией, а также в другие районы земного шара.

К тому времени, когда Фанч поселился в Калифорнии, он посвятил себя графике и работал над оттачиванием своих навыков в различных техниках печати. Он изучал шелкографию, или изящную художественную шелкографию, и каменную литографию как в Сан-Франциско, так и в Париже, сначала печатая, а иногда и сам издавая свои работы. В течение следующих двадцати лет он работал в ряде уважаемых типографий в этих и других городах мира, включая Лондон, Нью-Йорк, Лос-Анджелес и Тель-Авив.

Картины и литографии 1970-х и начала 1980-х демонстрируют характеристики, часто ассоциируемые с «наивным» искусством, и ряд его ранних выставок проходил в галереях и музеях, специализирующихся на этом виде искусства, таких как Centro d’Arte Naivo в Милане и Galerie Naïfs et Primitifs в Париже. Его виды на Париж, город, который с начала двадцатого века окунулся в наивное искусство, демонстрируют внимание к мельчайшим деталям, использование ярких акцентов и непропорциональные и просто переданные фигуры, типичные для художника-самоучки.

«Интерьер с Velux» (2005), Фанч Ледан

Ранний наивный стиль Фэнча можно увидеть в его картине «Chez l’Artiste» (Дом художника, 1979), вид на его собственный район на Монпарнасе. Кроме того, образы улиц, парков и мостов Парижа у Фанча, а также досуга — катание на коньках, катание в экипажах, наслаждение музыкой в ​​парке — напоминают сюжеты, изображаемые французскими импрессионистами. Подобные сюжеты он изображал в этом стиле для сцен в Соединенных Штатах, как на своей картине 19 века.79 под названием «Южная улица Нью-Йорка» (литография, 1980 г.). Такие картины, как эта, изображающие Нью-Йорк или район Сан-Франциско, реконструируют яркие события жизни девятнадцатого века.

В 1980-х Фанч обратился к более ярким картинам, и снова можно найти связь с импрессионизмом. Его картина «La Bonne Adresse» («Хороший адрес», 1986) содержит юмористическую отсылку к картине Клода Моне «Terrasse à Sainte-Adresse» («Терраса в Сент-Адресс», 1867). Фэнч использовал те же яркие цвета для воды, цветов, неба и развевающихся на ветру французских флагов, а также, как и Моне, расположил мужчину и женщину, сидящих в гнутых деревянных стульях и любующихся видом.

Вместо фешенебельного расположения Моне в курортном отеле в Сент-Адресс на северном побережье Франции, «хороший адрес» Фанша — это терраса в престижном жилом районе Иль-Сен-Луи в Париже. С его фигур открывается вид на Сену и знаменитые парижские памятники, включая Эйфелеву башню и собор Нотр-Дам. Позже, после того как Фанч начал писать интерьерные сцены с находящимися в них шедеврами, он включил эту картину Моне над камином в «Интерьер с тремя шедеврами»19.99 (сериграф, 2002).

«Интерьер с Литхенштейном» (2006), Фэнч Ледан

Фэнч смог воспроизвести цветовые эффекты своих картин в своих литографиях, работая с высококвалифицированными и чувствительными хромистами или техниками по цвету в знаменитых печатных мастерских Парижа — Desjobert, Grapholith и Artestampe. В этих студиях сложное разделение цветов, разделенный фонтан и методы регистрации создавали изображения, которые прекрасно передают диапазон и тонкие градации цвета, а также мельчайшие детали его картин.

«Полет на воздушном шаре над мостом Золотые Ворота», 1988 г., литография, основанная на картине 1987 г., демонстрирует высокое качество его опубликованных работ того времени. Вид через залив Сан-Франциско на Саусолито, а затем на его дом / ателье. Фанч включил элементы, характерные для многих его картин: местный памятник (мост Золотые Ворота), досуг (парусный спорт) и красочные моменты (воздушные шары и спинакеры парусников).

Заядлый спортсмен, особенно любящий водные виды спорта, Фэнч часто использовал эти излюбленные мотивы в своих картинах, будь то изображения рек Парижа, тропических пляжей Бали, гавани Сиднея в Австралии или побережья Средиземного моря во Франции и Италии. Время, которое Фанч провел, работая в этих парижских ателье и других, например, в нью-йоркской галерее Circle, было важно не только для развития его палитры и стиля, но и для создания питательной среды и возможностей для знакомства с другими художниками-графиками.

«Интерьер с Белле» (2006), Фанч Ледан

В начале 1980-х Фэнч также начал работать над картинами, которые он называет «интерьерными пейзажами» или «внутренними видениями». Один из первых, «Полосатый диван», 1983 г. (литография, 1983 г.), представляет собой вид на запад через Центральный парк в Нью-Йорке на башни-близнецы Эльдорадо, многоквартирного дома в стиле ар-деко, построенного в 1931 году. Волнообразные красочные полосы манящего дивана и подушек ведут к виду, в то время как комнатные растения, всегда присутствующие в его интерьерах, привносят природу к зрителю.

Одним из самых красивых из этих ранних интерьеров является его «Вилла Рошамбо», 1985 г. (литография, «Над Каннами», 1989 г.). Композиция представляет собой сложную организацию диагональных световых паттернов и различных оттенков веселого, но безмятежного сине-зеленого, надежно удерживаемых на месте симметрично сбалансированной стеной и прямоугольными стеклами в окнах и французских дверях.

В середине 1980-х Фанч начал включать в свои интерьеры картины современных мастеров, как он сам говорит, «чтобы воздать должное и низкое почтение», а в начале девяностых стал концентрироваться на этой теме. Одна из самых ранних картин в этом жанре «Интерьер Мироболант» (сериграфия, 1986), включает в себя ряд элементов, которые будут неоднократно появляться в течение следующих полутора десятилетий.

«Интерьер с Миро II», Фанч Ледан

В современном интерьере представлены работы в стиле Миро, Шагала и Пикассо с тропическими растениями и цветочными композициями, а также ковер, вдохновленный Миро. Безмятежная белизна стен компенсирует яркие цвета подушек, картин и ковров. Однако такой интерьер уступил место его более типичным обширным пространствам, открытым для внешнего вида.

«Интерьер с Пабло», 1997 г. (сериграфия «Интерьер с четырьмя Пикассо», 1999 г.) — одна из недавней серии картин и сериграфий, на которых изображен открытый интерьер с шедеврами и видом на известное место. В каком-то смысле этот образ фокусирует наше внимание на двух сакральных пространствах: интерьере с картинами, скульптурой и музыкой; экстерьер с архитектурными памятниками Парижа.

«Интерьер с Максом» (2004), Фанч Ледан

Фэнч отдает дань уважения целому ряду других современных и современных художников, которые неявным образом повлияли на его собственное искусство. Дополнительные художники включают импрессионистов Моне, Дега и Сезанн; постимпрессионисты Сера, Тулуз-Лотрек, Ван Гог и Гоген; сюрреалисты Миро, Дали и Магритт; более поздние художники, такие как Лихтенштейн и Питер Макс; а также Леже и Мондриан.

Как показывают «Над Каннами» и «Интерьер с четырьмя Пикассо», если бы Фанч не выбрал профессию художника или бизнесмена, он, безусловно, мог бы стать прекрасным архитектором. Его картины и оригинальная графика 1970-х и 1980-х годов постоянно фокусировались на характере конкретных зданий и городских условий. Когда в 1980-х годах Фэнч обратился к своим внутренним взглядам, он начал проектировать одно внутреннее пространство за другим. Хотя эти интерьеры вдохновлены его коллективными воспоминаниями о местах, которые он видел, они возникли в его воображении, а не в записи конкретных мест.

Как и следовало ожидать от тех, кто любит природу, чаще всего это открытые, просторные помещения. Никогда не бывает ощущения замкнутости; есть место для перемещения внутри и легкий доступ наружу через открытые окна или двери с видом на город или море.

Стиль его архитектурных пространств отчетливо современен, либо с акцентами натурального дерева, излюбленными в Северной Калифорнии, либо с белыми стенами и четкими линиями модернистской архитектуры международного стиля, которая развилась в Европе после Первой мировой войны.

Совсем недавно он перешел в область постмодернистской архитектуры, вернув архитектурные элементы, такие как молдинги и фронтоны, которые когда-то отвергались модернистами. Или он может обратиться к мавританскому стилю, распространенному по всему Средиземноморью, как в «Патио над крошечным островом», 2000 г. (сериолитография, 2001 г.). Каким бы ни был стиль, определенные элементы повторяются — высокие потолки, двери или окна, выходящие на балконы и террасы, — но двух одинаковых пространств не бывает.

«Красное окно в Париж» (2015), Фанч Ледан

Сегодня графика Fanch публикуется и распространяется через галерею Park West Gallery в Саутфилде, штат Мичиган. Фанч впервые встретил Альберта Скальоне, основателя галереи, на выставке Artexpo в Нью-Йорке в 1983 году, и вскоре после этого Park West начал совместно издавать и распространять издания своей графики. Пятнадцать лет спустя Fanch и Scaglione заключили эксклюзивное соглашение о публикации и распространении оригинальных гравюр и картин Fanch.

Фанч экспериментировал с крупномасштабной сериографией, сериолитографией, различной бумагой и полотном, а также металлическими рельефами. Работая с Раном Болоканом и другими хромистами и техниками в Romi-Shaked Lavan, ателье Park West в Израиле, Фанч смог получить более широкий диапазон цветов и тонов и более сложные детали, чем когда-либо прежде, как это видно на городском пейзаже «Интерьер с Буддой». Одному из сериграфов Фанча может потребоваться от шестидесяти до девяноста экранов, чтобы достичь желаемых качеств. Фэнч вносит дополнительные коррективы в корректуру, работая с галереей Park West Gallery в Саутфилде.

Работа Фанча в галерее Park West не означает, что он больше не путешествует. Теперь его поездки за границу связаны не с поиском новых площадок для творчества, а с его собственной потребностью в творческом обновлении и художественном вдохновении. Тем не менее, когда он возвращается домой в Валлорис на юге Франции, он находит идеальные условия для творчества.

Как видно из его сериграфа «Вид из студии», 1997 г., для творчества у Фанча есть комната с великолепным видом на обширный и красочный мир спокойствия, красоты и наслаждения. Со своей женой и сыновьями, постоянными поездками и успешной карьерой Фэнч чувствует себя по-настоящему счастливым, и он, в свою очередь, передает благосклонность фортуны всем, кто сталкивается с его искусством. В начале двадцать первого века, когда мы задаемся вопросом, прогрессирует ли человечество или откатывается в темные века, оптимистичное и красочное искусство Фанча поднимает нам настроение и дарит нам радость.

«Патио-сюр-Ривьер» (2005 г.), Fanch Ledan

Чтобы собрать произведения искусства Fanch Ledan, зарегистрируйтесь на наших увлекательных онлайн-аукционах или свяжитесь с консультантами нашей галереи по телефону (800) 521-9654 доб. 4 или по адресу sales@parkwestgallery. com.

Об авторе: Элеонора М. Хайт получила докторскую степень в Гарвардском университете в 1986 году и в настоящее время является доцентом истории искусств в Университете Нью-Гэмпшира, Дарем. Специалист по искусству ХХ века, среди ее публикаций есть статья «Немецкое искусство 1905-1925: Техника как выражение» в немецком экспрессионистском искусстве: отрывки из коллекции Рози и Людвига Фишера (Washington University Press, 1987) и книга «Изображая модернизм: Мохой-Надь и фотография в Веймарской Германии» (MIT, 1995). Она также опубликовала эссе о сюрреализме, современном искусстве и фотографии и является соредактором книги «Колониальная фотография: создание образа расы и места» (Routledge, 2003).

«Интерьер», Ричард Гамильтон, 19 лет64–5 | Тейт

Интерьер

© Поместье Ричарда Гамильтона

Лицензия на это изображение

Художник

Ричард Гамильтон 1922–2011 гг.

Средний

Шелкография на бумаге

Размеры

Изображение: 495 × 638 мм

Коллекция

Тейт

Приобретение

Представлено Роуз и Крис Пратер через Институт современной печати 1975

Ссылка

P04250

Резюме

Репродукция Интерьер принадлежит к группе работ, основанных на кадре из фильма 1948 года, случайно обнаруженном Гамильтоном. Гамильтон преподавал искусство в Университете Ньюкасл-апон-Тайн, когда нашел кадр из фильма «Ударопрочный 9».0184 (1949, режиссер Дуглас Сирк, сценарий Сэмюэля Фуллера) лежит на полу в классе. Художник был поражен тщательно выстроенной композицией кадра, снятого в специально построенном наборе, и пояснил:

Все на фотографии сошлось на девушке в пальто «new look», которая смотрела чуть правее камеры. Должно быть, использовался очень широкоугольный объектив, потому что перспектива казалась искаженной; но беспокойство сцены было связано с двумя другими факторами. Это была съемочная площадка, а не настоящая комната, поэтому поверхности стен не были соединены явным образом; и освещение исходило из нескольких разных источников. Поскольку масштаб комнаты не стал неоправданно увеличенным, как можно было бы ожидать от использования широкоугольного объектива, можно было предположить, что для противодействия его эффекту была введена ложная перспектива — тем не менее передний план оставался подчеркнуто близким, а отступ экстремальным. Все это больше способствовало нагнетанию предчувствия, чем случайно замеченное тело, лежащее на полу, частично скрытое письменным столом. Я сделал три этюда-коллажа и две картины на основе этого образа интерьера – зловещего, провокационного, неоднозначного; противостояние, с которым зритель знаком, но не в своей тарелке.

(Цитируется по Сборник слов , стр. 61.)

Интерьер представляет собой зеркально-перевернутую трафаретную версию первого из трех коллажей: Этюд интерьера (a) (Суиндонский музей и художественная галерея), (b) и (c) (обе частные коллекции, Лондон), которые Гамильтон создал в 1964 году. Как и его более раннее изображение интерьера, знаменитый 195 6 collage Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? (Кунстхалле Тюбинген), Внутреннее исследование (a) состоит из фрагментов, взятых из журналов. Гамильтон скопировал занавеску в пол в левой части фильма, но в новом изображении она стала более стилистически современной. Поскольку гравюра Интерьер является зеркальной инверсией Эскиз интерьера (а) , эта занавеска находится с правой стороны изображения. Гамильтон заменила в кадре образ актрисы Патриции Найт (1915–2004) на образ неизвестной женщины, одетой по моде 1960-х годов. Она стоит на турецком ковре перед дверью, ведущей в столовую. Позади нее зеркало в богато украшенной раме показывает отражение небольшого произведения искусства в рамке. Другие изображения в рамках висят на стене справа от зеркала. Книжная полка, ваза с цветами и закрытая двустворчатая дверь частично скрыты большим квадратом, маскирующимся под полотно на мольберте. Квадратный «холст» содержит фотографию телевизора, показывающую группу фигур. Слева от мольберта изображение становится все более абстрактным с монотонной желтой областью, выходящей из угла деревянного паркета и разделенной пополам параллелограммом темно-красного цвета, что предполагает ковер и, возможно, напоминает труп, лежащий на полу в оригинальном кадре из фильма. Гамильтон снова использовал эту область исследования в картине 9.0183 Интерьер II (T00912), где также имеется занавеска в пол. На переднем плане гравюры часть плетеного стула появляется не в фокусе перед фотографией большого старого письменного стола. Гамильтон описал процесс создания Интерьер :

Скриншотная версия темы Интерьер начинается с черно-белой фотографии одного из группы коллажей, а цвет добавляется для придания псевдофотографического эффекта полутоновой цветопередачи. Я сделал цветоделение вручную, используя готовые механические колеры. Частично методы раскрываются за счет удаления черного экрана. Общее качество коллажа, господствующего метода этюдов и рисунков на тему, сохраняется при этом использовании фрагментов целлофана с равномерными точками, Zip-a-tone, Plastitone, Cellutint и других марок.

(Цитируется по Сборник слов , стр. 89.)

Интерьер предшествовал Интерьер (состояние) , 1964 г. (напечатано в четырех изданиях), который практически идентичен, за исключением области стены, заполненной рисунком, на левой стороне изображения, которую художник частично закрыл и абстрагировал в более поздней версии. Гамильтон и Крис Пратер напечатали Interior на бумаге Crisbrook с использованием восьми трафаретов в Kelpra Studio, Лондон. Гравюра была выпущена тиражом в пятьдесят плюс неизвестное количество художественных и типографских оттисков и опубликована издательством Editions Alecto, Лондон. Копия Тейт является доказательством художника.

Дальнейшее чтение

Ричард Гамильтон: Сборник слов 1953–1982 , Лондон и Нью-Йорк, 1982, стр. 61–3 и 89, воспроизведено стр. 89 в цвете.
Этьен Луллин, Ричард Гамильтон: гравюры и мультипликаторы 1939–2002 , каталог выставки, Художественный музей Винтертура и Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен, 2003 г., стр. 64–7, воспроизведено стр. 67 в цвете.

Элизабет Манчестер
Сентябрь 2007 г.